LUCRUL CU DIGITALIZAREA

Noile mijloace de comunicare, care sunt incluse în viață odată cu noile medii de
comunicare și, în consecință, procesele de digitalizare a datelor pentru a le transfera în acest
mediu sau crearea de date digitale direct în acest domeniu au fost pașii tranziției umane către
o nouă eră. Alături de identitățile noi sau secundare pe care aproape toate domeniile,
sectoarele și oamenii le-au dobândit în acest domeniu, arta a primit și ea partea ei.

Procesele de creare a muncii și-au schimbat dimensiunea odată cu digitalizarea. Pe

lângă formele de producție a muncii în care încă mai există metode vechi, se observă și
structuri hibride. Structurile hibride sunt diverse combinații, cum ar fi transferul unei lucrări
realizate cu o metodă tradițională în format digital și intervenția în aceasta, precum și
intervenția cu metode tradiționale după ce o lucrare creată cu metode digitale este convertită
în formă fizică. În același timp, combinația de forme multimedia și operele care includ diverse
tehnici sau genuri în mediile digitale pot fi considerate, de asemenea, producții omogene.

Odată cu dezvoltarea noii culturi bazate pe noile mijloace de comunicare, oamenii au

avut o interacțiune intensă cu aceste zone. Prin urmare, utilizarea instrumentelor oferite de
aceste medii a crescut rapid și și-a dezvoltat statutul de parte integrantă a activităților vieții de
zi cu zi. Având în vedere timpul și capacitățile petrecute în aceste medii, se poate considera că
este inevitabil ca opera de artă să adopte noul mediu media ca pe un nou centru pentru a nu
rămâne în urma cerințelor epocii și pentru a se adresa acestui nou public. Având în vedere că
nu numai efectele digitalizării asupra operei, ci și mediile în care este reprezentată opera sunt
afectate de digitalizare, se poate înțelege că este normal ca operele să fie modelate în funcție
de noua reprezentare.

Opera de artă conține în esența sa interdisciplinaritatea. Această interdisciplinaritate

este destul de diversă, cum ar fi tehnica, forma, conținutul, instrumentele, domeniile, mediile.
A beneficiat întotdeauna de inovațiile tehnologice din perioada sa. Întotdeauna a intrat în
domeniul științei și tehnologiei și le-a inclus în propriul domeniu. Deși este adesea o sursă de
inspirație pentru diferite discipline, arta a fost utilizată și pentru prezentări creative. Diferite
domenii au fost folosite pentru versatilitatea expresiei operei de artă. Cu toate acestea, cele
mai importante domenii, care au structuri și scopuri diferite, sunt știința, tehnologia și arta,
care sunt folosite împreună într-o interacțiune foarte intensă.
 În cooperarea și îmbinarea dintre știință, tehnologie și artă, mai ales datorită faptului
că perioada în care trăim este epoca tehnologiei, a inovațiilor, a evoluției în diferite direcții, au
apărut formații fertile. În artă, multe aspecte, cum ar fi materialul, atelierul/zona de lucru,
zona de expunere, zona de vizionare, zona de vânzare, au fost reduse la un mic ecran, dar
practic extinse la infinit. În mod tradițional, tot ceea ce este necesar pentru producția,
prezentarea și vânzarea unei opere de artă a fost plasat pe un ecran plat, în fața tastelor. În
acest sens, este clar că digitalizarea oferă operelor un spațiu de liberă circulație și are aspecte
de reducere a costurilor.

În dicționar au fost adăugați termeni noi, în conformitate cu conceptul de digitalizare.

De exemplu, termenul "design digital", care este cel mai utilizat și valabil pentru aproape
toate tipurile de lucrări de artă, a devenit definiția comună a lucrărilor produse în acest mediu.
Într-un studiu în care se afirmă că designul digital a uzurpat în mare măsură utilizarea
mediilor tradiționale de design începând cu anii '90. Designul digital este pur și simplu design
cu medii digitale. Designul cu ajutorul mediilor digitale este utilizarea proceselor digitale, a
graficii și a modelării pentru a crea, reprezenta, analiza, evalua și stoca declarații de
design .Digitalul este întotdeauna deschis la transformare, la privit și explorat în moduri
diferite, într-un mod non-fizic. Putem prezenta mai multe vederi ale obiectului pe un ecran de
computer. Putem folosi animații pentru a urmări schimbarea perspectivelor . În acest punct, se
poate sublinia cea mai importantă diferență față de metoda tradițională (termenul "metodă
tradițională" se referă la metodele de producție nedigitale). Un artefact produs cu o metodă
clasică este limitat în ceea ce privește modificarea sau prezentarea din diferite unghiuri și
rămâne în limitele regulilor realității fizice în ceea ce privește dimensiunea și perspectiva. Cu
toate acestea, un artefact digital poate fi reproiectat de mai multe ori, se pot face de mai multe
ori diferite adăugiri și scăderi, iar fiecare etapă poate fi înregistrată separat. Poate fi
dimensionat în mod repetat sau diferit, după cum se dorește, pot fi încercate și preferate
abordări bogate în perspectivă și care depășesc realitatea fizică.

Pentru a produce opere de artă în mediul digital și pentru a realiza diverse modele,
au fost create programe de aplicații cu o gamă largă de opțiuni. În cadrul acestor programe,
există atât cele care necesită expertiză, cât și cele care pot fi utilizate cu metode foarte simple,
care nu necesită nicio expertiză. Pentru a realiza o lucrare prin metoda tradițională, este
necesar să se achiziționeze materiale adecvate și să existe spații pentru depozitarea acestora.
În producția digitală, pe de altă parte, tot ceea ce este necesar, cum ar fi vopseaua, creioanele,
pensulele, pânzele și diverse materiale și instrumente sunt disponibile într-o gamă largă de
opțiuni. Materialul este inepuizabil, și nelimitat, este atât de divers și numeros încât poate fi
răspândit pe un spațiu larg. Pe de altă parte, există multe efecte și diverse aplicații de animație
care nu pot fi realizate prin metoda tradițională. O anumită secțiune a lucrării poate fi luată
fără a deteriora lucrarea, poate fi folosită ca detaliu sau ca lucrare separată. Lucrarea poate fi
abordată și analizată până la cel mai mic detaliu, iar detaliile mult mai mici pot fi mărite și
examinate cu finețe. Se pot da diverse forme în părțile dorite. În comparație cu metoda
tradițională, acesta poate fi reproiectat și editat de mai multe ori.

Artefactele de colecție sau diferite variante ale unei lucrări pot fi produse foarte rapid.
Lucrările noi pot fi create prin crearea de colaje din diferite părți. Acesta poate fi pus în
circulație în lume foarte rapid sub acoperișul unei persoane sau al unei organizații ,iar
feedback-ul privind munca poate fi primit instantaneu.

De exemplu, o pictură în mediul real și o pictură în mediul digital pot să nu aibă

aceeași semnificație. Chiar și urmele și texturile din straturile de vopsea sunt diferite. Deși
există aplicații care permit realizarea de tușe și diverse straturi în mediul digital, nu este exact
la fel ca în forma fizică. Pe de altă parte, nu conține sensul și sentimentul micilor greșeli sau
al zonelor șterse, acoperite, reconstruite, care îmbogățesc opera și lasă o urmă a creatorului ei.
De asemenea, este un fapt că o lucrare produsă digital are diferite semnificații. Dacă se face
doar o comparație, se poate observa că ele nu au același înțeles.

Există echilibre, aparențe și reflexii diferite între materialele virtuale de pe ecran și

cele reale din atelier, deoarece acestea vor purta semnificația mediului și a tehnicii în care
sunt produse. Schiller spune: "Într-o operă de artă cu adevărat reușită, conținutul nu este nimic
și forma este totul, pentru că ființa umană indivizibilă este afectată doar de formă... Adevărata
libertate estetică este doar în formă ". Cu toate acestea, trebuie remarcat faptul că semnificația
include și elementele de formă și conținut. Prin urmare, dacă vorbim despre semnificație, atât
instrumentele și mijloacele utilizate, cât și forma și conținutul trebuie luate în considerare
împreună. Astfel, se poate spune că un sens apare în schimb pentru diferite variabile din
diferite aspecte. Pe de altă parte, este un mod de gândire în mediul artistic că arta nu trebuie să
exprime un sens sau chiar că nu trebuie căutat un sens. Cu toate acestea, semnificația
menționată aici nu este abordarea pe care o propune lucrarea, cum ar fi mesajul, ideea,
argumentul, ci reflecțiile legate de sentimentul reflectat în timpul recepției.
 Una dintre inovațiile notabile pentru digitalizarea operelor de artă este metoda de
copiere. Afirmând că operele de artă au fost întotdeauna reproductibile și că artefactele umane
au fost întotdeauna copiate de alte persoane, Benjamin explică faptul că "ucenicii au făcut
copii pentru a-și exersa meseria, maeștrii pentru a-și disemina opera și, în cele din urmă, terții
au făcut copii pentru profit. Cu toate acestea, reproducerea tehnică a unei opere de artă este
ceva cu totul nou ". Aceasta pentru că "epoca modemului substituie în mod constant
artificialul, realul produs tehnic și imitat, sau reproductibilitatea unicului, unicului (atât cât
poate fi același) . Ținând pasul cu viteza, elementele de unicitate și unicitate au fost lăsate
într-un fel în fundal. "Deoarece ochiul va fi perceput deja imaginea în momentul în care mâna
o desenează, procesul de reproducere picturală s-a accelerat atât de mult încât rivalizează cu
viteza vorbirii ". Reproducerea prin copiere, producerea adecvată pentru copiere,
reproducerea celor existente cu unele modificări și realizarea lor în diferite forme, la nesfârșit,
intră în sfera posibilităților tehnice și poate fi realizată foarte rapid.

Atunci când ușurința tehnică a reproducerii și a copierii este combinată cu viteza, apare o
multiplicitate excesivă. Baudrillard numește acest lucru "carnaval de imagini" și adaugă:
"Atunci trebuie să știți că va trebui să vă supuneți distrugerii imaginilor. Carnavalul imaginii
înseamnă că omul se înghite și se distruge prin imagini ". Faptul că omul se confruntă cu
imagini atât de intense poate avea ca rezultat un sentiment de neutralizare față de imagine și
un sentiment de goliciune față de el însuși. De exemplu, dacă se compară o persoană aflată în
fața unui anumit număr de artefacte cu o persoană aflată într-o zonă înconjurată de artefacte la
stânga, la dreapta, deasupra și dedesubt, situația poate fi înțeleasă. Pe de altă parte, producția
și copierea rapidă au adus productibilitatea tuturor lucrurilor. Tot ceea ce vine în minte și este
proiectat instantaneu poate fi produs instantaneu. Din acest motiv, au început să dispară multe
acțiuni, cum ar fi stările emoționale din timpul fazei de proiectare a unei lucrări care urmează
să fie realizată fără posibilități digitale sau tehnice, întorcându-o mereu în minte, gândindu-se
profund la ea. Pe de altă parte, acestea pot fi concepute și în timpul creației. Dar abilitatea
multimedia de a înregistra și recupera posibilitățile, cum ar fi capacitatea de a o face din nou
rapid, pierd efectul "temporal" al proiectării și al gândirii profunde. Desigur, în designul
digital, ca și în designul tradițional, există elemente de fond, cum ar fi ideea, infrastructura,
baza de gândire pe care se va construi lucrarea. Cu toate acestea, nu este nevoie de un proces
foarte îndelungat și nu există pierderi de material atunci când ideea se schimbă.
 Există, de asemenea, diferite abordări ale designului digital în ceea ce privește
copierea. De exemplu, Baudrillard afirmă că "Dacă nu se poate vorbi de o lume reală
determinată pe un strat sensibil (același lucru este valabil și pentru facultatea limbajului, care
este similară unui strat sensibil determinat de idei), atunci nu se poate vorbi de nici un proces
de reconstituire " . Prin această abordare, el subliniază că nu poate exista o revitalizare fără un
mediu fizic, fără un aspect concret. Groys, pe de altă parte, adoptă un unghi diferit:

"Imaginea digitală este o copie - dar evenimentul vizualizării sale este un eveniment
original, deoarece copia digitală este o copie fără original vizibil. Într-o etapă ulterioară, acest
lucru înseamnă următoarele: Nu este necesar doar să expunem o imagine digitală pentru ca ea
să fie văzută, ci și să o punem în scenă, să o punem în scenă. Se poate spune, așadar, că
digitalizarea transformă artele vizuale în artă performativă. Situația devine deosebit de dificilă
în cazul originalului invizibil: dacă originalul este vizibil, acesta poate fi comparat cu o copie
- și, prin urmare, copia poate fi corectată, iar sentimentul de trădare poate fi redus. Dar dacă
originalul este invizibil, o astfel de comparație nu este posibilă - orice vizualizare rămâne
vagă și ambiguă ".

Groys a făcut o distincție între imaginea digitală și imaginea tradițională, dar a susținut
că acestea nu sunt copii. El a spus că ambele au o originalitate aparte. Dar, potrivit lui Groys,
circulația imaginii prin digitalizare o ajută să se răspândească și să se reproducă. Acest lucru
face din imagine un medicament care tratează pasivitatea imaginii. Cu toate acestea, în timp
ce este tratată, imaginea este în mod inevitabil infectată cu mai mult anonimat, cu un efort
adecvat tratamentului imaginii și cu condiția de a o face diferită de ea însăși1.

Faptul că pasivitatea lucrărilor în formă fizică se transformă în activitate în mediul

digital determină adăugarea mai multor straturi pe acestea. Aceste straturi includ atât cele
vizibile cu ochiul liber, cât și cele abstracte. Fiecare atingere, fiecare mediu de tranziție,
fiecare schimbare de mână, fiecare articulație sunt urme care se suprapun și se așează pe
contextul original al lucrării. Acestea schimbă opera, dându-i o altă identitate, iar atunci când
există un exces, acesta este dublat de anonimat.

În perioada tehnologică, omul recurge la imitație, la fel ca în perioadele mai vechi.

Imitația și reflecția au constituit piatra de temelie a artei. Eco a spus că plăcerea de a imita,
așa cum o știau grecii antici, este o caracteristică adânc înrădăcinată în sufletul uman și a
adăugat: "Dar aici, dincolo de faptul că se bucură de o imitație perfectă, omul se bucură de
convingerea că imitația a atins punctul culminant și că, de acum înainte, realitatea va fi
întotdeauna în urma imitației ". Este ușor de prevăzut cum ar putea să se dovedească o astfel
de afirmație în mediul actual, în care tehnologia se află într-un stadiu atât de avansat.

Deși utilizările hiperrealiste ale tehnologiei nu au ajuns încă la utilizatorul final, primii
pași spre percepția realității în acest sens au fost făcuți, iar restul se află în faza de cercetare și
experimentare. Având în vedere viteza de progres și de dezvoltare a tehnologiei, nu va dura
prea mult timp pentru a ajunge la utilizatorul final. Să treci dincolo de imitație și să fii capabil
să clonezi realitatea într-un anumit sens și să creezi experiențe dincolo de această clonă; într-
un sens, poate însemna să provoci realitatea însăși.

La capătul unei astfel de situații, când opera de artă se întâlnește cu voința de a se

"transcende" pe sine, epoca, realitatea etc., poate că se poate confrunta cu un mecanism de
extincție care pregătește sfârșitul ei însăși. Dar, în acest moment, poate însemna și nașterea
unei alte formațiuni care nu a fost imaginată până acum.

Faptul că operele pot fi produse și copiate în număr mare în mediul digital nu pune
probleme de înregistrare sau de stocare întâlnite în mediul real. Cu toate acestea, se păstrează
întotdeauna necesitatea de a crea soluții creative pentru a ajunge la dinamica receptorului. În
acest scop, atitudinile față de experiență sunt adesea folosite pentru a atrage receptorul.
"Obiectul nu mai este în centrul producției de artă și a devenit mai degrabă un obiect ritual
care facilitează experiența, ca un instrument sau un mobilier. Pe măsură ce importanța
obiectului scade, galeriile se transformă în spații pentru corpuri care sunt seduse, activate și
realizate "166. Se transformă într-un obiect ludic, trecând de la o poziție pasivă, de pură
observație în contextul său fizic, la o ficțiune care este experimentată în contextul său digital.

Potrivit lui Groys, care afirmă că, în ultimii ani, lumea artei a acordat mai multă atenție
documentării decât operei de artă în sine, documentarea artei este un instrument care
documentează arta, nu arta în sine. Nu arta în sine, ci ceea ce se referă la ea.

Astfel, arată că nu mai este prezent acolo, ci este absent și ascuns. În plus, deși păstrarea ca
documentație a evenimentelor artistice momentane sau trecute, cum ar fi spectacolele, pare a
fi un efort de a le reaminti, documentația artistică care nu are ca scop prezentarea unui
eveniment artistic trecut a început să fie produsă și expusă din ce în ce mai mult.

Astfel, nu ar fi greșit să spunem că arta a dobândit funcția unui sistem de fabrică, fiind
încărcată în domenii precum documentația, înregistrările și arhivele. La fel ca un produs într-o
fabrică, acesta este produs în cantități mari, transferat în depozite și distribuit. În acest caz,
este inevitabil ca aspectul original și calitativ al artei să fie afectat. Motivul de bază poate fi
interpretat ca fiind industrializarea. Produsul industrial este o structură care ignoră anumite
caracteristici calitative și există cu o abordare cantitativă. Potrivit lui Adorno, această situație
a creat o industrie culturală, iar arta vulgară a încercat întotdeauna să semene cu alte opere de
artă. În cele din urmă, industria culturală înlocuiește imitația cu absolutul.

Este clar că imitația se va transforma într-o iluzie a realității atunci când imitația este înlocuită
cu absolutul și nu mai există o ființă.

Baudrillard mai susține că, în marea de imagini în care înotăm, imaginea nu mai poate fi
urmărită suficient de mult timp pentru a fi numită imagine; "când realitatea și imaginea ei
devin imposibil de distins una de cealaltă, când imaginea, care este până la gât în realitate,
încearcă să se folosească de ea ca imagine, ea dispare, pierzându-și caracteristica de a fi cel
puțin ceva excepțional, o iluzie, un univers paralel " . Dispariția imaginii poate fi echivalentă
cu dispariția imaginației, adică a intelectualității, și cu dispariția proiectelor.

Atunci când fenomenul reproducerii este combinat cu tehnologia, conceptul de unicitate

în artă este, de asemenea, întrerupt, iar energia, efectul sau, cu alte cuvinte, câmpul
gravitațional emis de operă, cu ubicuitatea sa, a început să se deterioreze. Benjamin susține că
odată cu reproducerea tehnologiei de reproducere ca formulă de separare a obiectului
reprodus de stratul de tradiție

Pe de altă parte, există și opinii precum "există o variație infinită mai degrabă decât o
reproducere infinită ". "Soarta artei moderne și contemporane nu poate fi în niciun caz redusă
la "pierderea aurei". În schimb, (post)modernitatea pune în scenă un joc complex, luându-l de
la locul său și punându-l într-un (nou) loc, dislocându-l de la locul său și dându-i un nou loc,
îndepărtându-i aura și încărcându-l din nou. " Totuși, atunci când dimensiunile ludicului
cresc, când se transformă într-o atitudine pur distractivă, este discutabil dacă opera de artă mai
este încă o operă.

Oricare ar fi mijlocul, metoda, suportul în care este folosită, oricare ar fi forma de

distribuție și difuzare, aspectul în care opera de artă își va păstra în continuare caracteristica
de a fi o operă; elementul principal pe care va fi învelită fără compromisuri; este calitatea.
Odată cu păstrarea calității, alte aspecte devin mai puțin importante, iar inovațiile și
dezvoltările tehnologice pot fi folosite în domeniul artei într-un mod mult mai semnificativ..
Studiul lui Eco despre conceptul de "deschidere" în operele de artă conține, de asemenea,
explicații care trebuie abordate în ceea ce privește polifonia:

"...o operă de artă este un obiect original produs de un artist care combină elemente
comunicative în așa fel încât orice interlocutor poate reconstrui opera în mintea sa (prin
reacțiile emoțiilor și ale intelectului la stimuli). În acest sens, artistul produce o lucrare
finalizată pentru a fi înțeleasă și apreciată în modul în care a creat-o, dar în procesul de
înțelegere a modelelor de acțiune-răspuns și a stimulilor, fiecare interlocutor este capabil să
înțeleagă lucrarea originală într-un anumit mod personalizat.

Ea se află într-o stare existențială concretă, condiționată de cultura, gusturile, înclinațiile

și prejudecățile sale personale, care o fac să fie percepută dintr-un anumit punct de vedere.
Practic, forma capătă valoare estetică în măsura în care poate fi văzută și interpretată din
diferite puncte de vedere, provocând o multitudine de impresii și rezonanțe fără a-i schimba
esența În acest sens, o operă de artă finalizată și închisă, ca un organism perfect echilibrat,
este, de asemenea, deschisă în măsura în care poate fi interpretată în mii de moduri diferite
fără a-i denatura esența inimitabilă. Prin urmare, toate interacțiunile cu o operă de artă sunt
atât interpretare, cât și performanță, deoarece fiecare interacțiune poartă un punct de vedere
diferit ".

Potrivit lui Eco, în orice percepție externă, nu toate aspectele obiectului perceput sunt
percepute la prima vedere. Există alte aspecte ale aparențelor care intră în percepție mai târziu
și acest proces continuă ca o "proiecție" neîntreruptă în fiecare etapă. Percepția însăși are deja
orizonturi care creează diferite posibilități de percepție.

Mediul virtual există ca un spațiu infinit și fiecare punct este același. Pe de altă parte, spațiul
fizic este destul de divers, în funcție de locația proprietății, aerul, temperatura, chiar și mirosul
mediului înconjurător are un efect. Acestea se așează într-un artefact fizic sub forma unor
straturi de semnificație. Lucrarea este, de asemenea, îmbogățită prin trăirea ei. Deoarece
mediile și instrumentele de producție se schimbă și se dezvoltă foarte rapid, este posibil ca
programul, instrumentul, software-ul, hardware-ul, aplicația în care a fost produsă lucrarea să
fi devenit învechit. Elemente precum rezoluția, scara de culori, efectele pot fi actualizate și
pot apărea aplicații mai avansate. Dar, în consecință, acestea sunt încă dezvoltări tehnologice.
Nu există uzură care să deterioreze lucrarea în sine. Cu toate acestea, existența originalității,
care poartă urma istoriei sale, problema "pentru moment", acoperă de fapt, într-un fel, mediul
digital. Dar această istorie nu curge la fel de lent ca în mediul fizic. În mediul fizic, istoria
artefactelor se încadrează în cadre temporale largi, cum ar fi perioada, epoca și timpul unei
anumite mișcări artistice. Cu toate acestea, în mediul virtual, ea se desfășoară în linie dreaptă,
în concordanță cu noile evoluții tehnologice, cum ar fi noile aplicații, software, hardware,
programe.