Pantomimă (/ˈpæntəmaɪm/; informal panto)[1] este un tip de comedie muzicală

producție scenică concepută pentru divertismentul de familie. A fost dezvoltat în

Anglia și se desfășoară în Marea Britanie, Irlanda și (într-o măsură mai mică) în
alte țări vorbitoare de limbă engleză, în special în sezonul de Crăciun și Anul Nou.
Pantomima modernă include cântece, gag-uri, slapstick comedie și dans.
Angajează actori care încrucișează genul și combină umorul actual cu o poveste
mai mult sau mai puțin bazată pe un basm bine cunoscut, fabulă sau poveste
populara. Pantomima este o formă participativă de teatru, în care publicul este de
așteptat să cânte împreună cu anumite părți ale muzicii și să strige fraze către
interpreți.Enciclopedie
Pantomima are o lungă istorie teatrală în cultura occidentală datând din teatrul
clasic. S-a dezvoltat parțial din secolul al XVI-lea commedia dell'arte tradiția
Italiei și alte tradiții scenice europene și britanice, cum ar fi secolul al XVII-lea
măști și sală de concerte. O parte importantă a pantomimei, până la sfârșitul
secolului al XIX-lea, a fost arlechinadă.

În afara Marii Britanii, cuvântul „pantomimă” este adesea înțeles să însemne

mimând, mai degrabă decât forma teatrală discutată aici.[5]Enciclopedie
Cuvântul pantomimă a fost adoptat din latin cuvânt pantomimus,[6] care la rândul
său derivă din Greacă cuvânt παντόμιμος (pantomimos), constând din παντο-
(panto-) însemnând „toate” și μῖμος (mimos), adică un dansator care a jucat toate
rolurile sau toată povestea.[7][8][9] Pantomima romană a atras tragedia greacă și
alte genuri grecești de la începuturile sale, deși arta a fost instituită la Roma și se
știe puțin despre ea în Grecia preromană.[10][11] Cuvântul englez a ajuns să fie
aplicat spectacolului în sine.[este necesară citarea ] Conform unei oratii pierdute de
Aelius Aristides, pantomima era cunoscută pentru conținutul său erotic și pentru
efeminarea dansului său;[12] La lucrarea lui Aristides a primit răspuns Libanius, în
discursul său „Pe numele dansatorilor”, scris probabil în jurul anului 361 d.Hr.[este
necesară citarea ]

Pantomima romană a fost o producție, de obicei bazată pe mit sau legendă, pentru
un dansator de sex masculin solo - îmbrăcată într-o tunică lungă de mătase și o
mantie scurtă (paliu) care a fost adesea folosit ca a "recuzită" —Însoțit de un cântat
libret (numit fabula saltica sau „poveste de dans”) redată de un cântăreț sau cor
(deşi Lucian afirmă că inițial pantomima însuși a fost cântăreața).[13] Muzica a
fost furnizată de flaut și puls a unui pantof încălțat cu fier numit a scabellum.
Spectacolele ar putea avea loc într-o gospodărie privată, cu personal minim, sau
alte producții teatrale fastuoase care implică o orchestră mare și un cor și uneori un
actor auxiliar. Dansatorul a dansat toate rolurile, bazându-se pe măști, poezii și
gesturi de stoc și pe un limbaj de mână (cheironomy) atât de complex și expresiv
încât mâinile pantomimei erau în mod obișnuit comparate cu o gură elocventă.[14]
Pantomima se deosebea de mima prin natura sa mai artistică și lipsa relativă de
farsă și umor grosolan,[8] deși acestea nu au lipsit din unele producții.Enciclopedie
Pantomima romană a fost extrem de populară de la sfârșitul secolului I î.Hr. până
la sfârșitul secolului al VI-lea d.Hr.,[14] o formă de divertisment care s-a răspândit
în tot imperiul unde, datorită naturii sale fără cuvinte, a făcut mai mult decât orice
altă artă pentru a încuraja cunoașterea miturilor și legendelor romane care au
format subiectul său - povești precum cele despre dragostea de Venus și Marte și
de Dido și Enea - în timp ce în Italia exponenții săi principali erau celebrități,
adesea protejați de cetățeni influenți, ai căror adepți purtau ecusoane care își
proclamau credința și se angajau în lupte de stradă cu grupuri rivale, în timp ce
cântecele însoțitoare au devenit cunoscute.[verificare nereușită ] Cu toate acestea,
datorită limitelor impuse dansului cetățenilor romani, populismului textelor sale de
cântece și altor factori, arta a fost la fel de disprețuită, precum și adorată,[14] iar
practicienii săi erau de obicei sclavi sau oameni liberi.[este necesară citarea ]

Din cauza statutului scăzut și a dispariției acestuia libreti, pantomima romană a

primit puțină atenție științifică modernă până la sfârșitul secolului al XX-lea, în
ciuda influenței sale mari asupra culturii romane, așa cum este percepută în arta
romană, în statui de dansatori celebri, graffiti, obiecte și literatură.[7] După
renașterea culturii clasice, pantomima romană a fost o influență decisivă asupra
europeanului modern dans de concert, ajutând la transformarea baletului dintr-un
simplu divertisment, o manifestare de virtuozitate tehnică, în dramatic balet de
acțiune. A devenit un antecedent care, prin scriitori și maeștri de balet din secolele
al XVII-lea și al XVIII-lea, cum ar fi Claude-François Ménestrier (1631-1705),
John Weaver (1673-1760), Jean-Georges Noverre (1727–1810) și Gasparo
Angiolini (1731–1803), i-au adus respectabilitate și au atestat capacitatea dansului
de a reda povești complexe și de a exprima emoția umană.[14]Enciclopedie
În Evul Mediu, Mummers Play era o piesă populară tradițională engleză, bazată
vag pe legenda Sfântului Gheorghe și a Dragonului, interpretată de obicei în timpul
adunărilor de Crăciun, care conținea originea multor elemente arhetipale ale
pantomimei, cum ar fi luptele de scenă, umor grosolan și creaturi fantastice,
inversarea rolului de gen și binele învingând răul. Precursorii pantomimei au inclus
și masca, care a crescut în fast și spectacol din secolele XV până în XVII.
Dezvoltarea pantomimei engleze a fost, de asemenea, puternic influențată
de commedia dell'arte continentală, o formă de teatru popular care a apărut în Italia
în perioada modernă timpurie . Aceasta a fost o „comedie a artiștilor profesioniști”
care călătoreau din provincie în provincie în Italia și apoi în Franța, care au
improvizat și au povestit povești comice care țineau lecții pentru mulțime,
schimbând personajul principal în funcție de locul în care se desfășurau. Fiecare
„scenariu” a folosit unele dintre aceleași caractere stoc. Acestea
includeau innamorati (tineri iubitori); Vecchi (oameni vechi), cum ar fi Pantalone ;
și zanni (servitori) precum Arlecchino, Colombina, Scaramouche și Pierrot .
Spectacolele de mascare italiene din secolul al XVII-lea au inclus uneori
personajul Arlequin .
În secolul al XVII-lea, adaptările personajelor de comedie au devenit familiare în
distracțiile englezești. Din acestea, s-a dezvoltat arlechinada engleză standard,
înfățișând îndrăgostiții care fugeau Harlequin și Columbine, urmăriți de tatăl
fetei Pantaloon și servitorii săi comici Clown și Pierrot . În versiunile în limba
engleză, până în secolul al XVIII-lea, Harlequin a devenit figura centrală și rolul
romantic. Complotul de bază al arlequinadei a rămas în esență același timp de mai
bine de 150 de ani, cu excepția faptului că un polițist bătăuș a fost adăugat la
urmărire.
În primele două decenii ale secolului al XVIII-lea, două teatre rivale
londoneze, Lincoln's Inn Fields Theatre și Theatre Royal, Drury Lane ( teatrele
brevetate ) au prezentat producții care au început serios cu povești clasice care
conțineau elemente de operă și balet și se încheiau cu un „scenă de noapte”
comică. Tavern Bilkers, de John Weaver, maestrul de dans de la Drury Lane, este
citat ca prima pantomimă produsă pe scena engleză. Această producție nu a fost un
succes, iar Weaver a așteptat până în 1716 pentru a produce următoarea sa
pantomimă, inclusiv Iubirile lui Marte și Venus - un nou Entertainment in Dancing
după maniera Pantomimelor Antice . În același an a produs o pantomimă pe
tema Perseus și Andromeda . După aceasta, pantomima a fost o caracteristică
obișnuită la Drury Lane. În 1717 la Lincoln's Inn, actorul și managerul John Rich l-
au introdus pe Harlequin în pantomimele teatrelor sub numele de „Lun” (pentru
„nebun”). A câștigat o mare popularitate pentru pantomimele sale, mai ales
începând cu producția sa din 1724 a Necromancerului; sau, Istoria Dr. Faustus .
Aceste pantomime timpurii erau tăcute, sau „spectacol prost”, spectacole constând
doar din dans și gesturi. Drama vorbită a fost permisă la Londra doar în cele două
(ulterior trei) teatre de brevete până când Parlamentul a schimbat această restricție
în 1843. Un număr mare de interpreți francezi au jucat la Londra în urma
suprimării teatrelor fără licență din Paris. Deși această constrângere a fost doar
temporară, pantomimele engleze au rămas în primul rând vizuale timp de câteva
decenii înainte de introducerea dialogului. Un autor din secolul al XVIII-lea a scris
despre David Garrick : „A format un fel de arlechinadă, foarte diferită de cea care
se vede la Opéra-Comique din Paris, unde vorbesc arlechin și toate personajele”.
Majoritatea acestor pantomime timpurii au fost reluări ale unei povești din
literatura antică greacă sau romană, cu o pauză între cele două acte în timpul cărora
s-a desfășurat afacerile nebunești ale arlequinadei. Istoricul teatrului David Mayer
explică utilizarea „battei” sau a palmei și scena transformării care a dus la
arlequinadă:
Rich i-a dat lui Arlequin puterea de a crea magie de scenă în ligă cu meșteri off-
scene care operau peisaje truc. Înarmat cu o sabie magică sau un liliac (de fapt un
slapstick), Harlequin al lui Rich și-a tratat arma ca o baghetă, lovind peisajul
pentru a susține iluzia schimbării setării de la o locație la alta. De asemenea,
obiectele au fost transformate de liliacul magic al lui Harlequin.
Pantomima a devenit treptat mai actuală și mai comică, implicând adesea efecte
teatrale spectaculoase și elaborate pe cât posibil. Colley Cibber, David Garrick și
alții au concurat cu Rich și și-au produs propriile pantomime, iar pantomima a
continuat să crească în popularitate.
La începutul anilor 1800, poveștile clasice ale pantomimei erau adesea înlocuite de
povești adaptate din basme europene, fabule, basme populare, literatura engleză
clasică sau rime de pepinieră . De asemenea, arlechinada a crescut în importanță
până când a fost adesea cea mai lungă și cea mai importantă parte a
divertismentului. Pantomimele aveau de obicei titluri duale care dădeau o idee
adesea plină de umor atât a poveștii pantomimei, cât și a arlequinadei. „Arlequin și
________”, sau „Arlequin _______; sau, ________”. În cel de-al doilea caz,
arlequin a fost folosit ca adjectiv, urmat de cuvinte care au descris pantomima
„deschidere”, de exemplu: Harlequin Cock Robin și Jenny Wren; sau, Fortunatus
și apa vieții, cei trei urși, cele trei daruri, cele trei dorințe și omulețul care a vrut
pe micuța femeie de serviciu . Arlechin a fost primul cuvânt (sau primul cuvânt
după „sau”) deoarece Arlechin a fost inițial cel mai important personaj. Titlurile au
continuat să includă cuvântul Harlequin chiar și după primul deceniu al anilor
1800, când Joseph Grimaldi a ajuns să domine pantomima londoneză și a făcut ca
personajul, Clown, un agent colorat al haosului, să fie la fel de important în
divertisment precum Harlequin. În același timp, Harlequin a început să fie
portretizat într-un mod mai romantic și stilizat.
Performanțele lui Grimaldi au ridicat rolul prin „observarea acută asupra
debilităților și absurdităților societății și a talentului său fericit de a le ridica la
ridicol. El este cel mai fin satirist practic care a existat vreodată ... El a fost atât de
extravagant de natural, încât cel mai privitorul saturnin și-a recunoscut influența; și
nici înțelepții, cei mândri sau cei buni, nici cei tineri, nici cei bătrâni nu s-au
rușinat să râdă până când lacrimile le curgeau pe obraji la Joe și la comicul lui. "
Spectacolele lui Grimaldi au fost importante în extinderea importanței arlequinadei
până când a dominat divertismentul pantomimic.
Prin urmare, până în anii 1800, copiii mergeau la teatru în preajma sărbătorilor de
Crăciun și Anul Nou (și deseori de Paște sau alte ori) în primul rând pentru a asista
la nebunia scenei de urmărire a arlequinadelor. A fost cea mai interesantă parte a
„Panto“, pentru că a fost rapid-paced și a inclus magie pitoresc spectaculos precum
și de prost gust de comedie, dans și acrobație. Prezența slapstick-ului în această
parte a spectacolului a evoluat din personajele găsite în comedia italiană dell'arte.
Complotul arlequinadei era relativ simplu; îndrăgostiții încrucișați de stele,
Arlequin și Columbine, fug de tatăl nebun al lui Columbine, Pantaloon, care este
încetinit în urmărirea lor de către servitorul său, Clown și de către un polițist
bătăuș. După vremea lui Grimaldi, Clown a devenit principalul inventator care a
încercat să-i împiedice pe iubiți, iar Pantaloon a fost doar asistentul său.
„Povestea zânelor” de început a fost adesea amestecată cu o poveste despre un
triunghi amoros: un tată bătrân „cu cruci” care deține o afacere și a cărui fiică
drăguță este urmărită de doi pretendenți. Cel pe care îl iubește este sărac, dar demn,
în timp ce tatăl îl preferă pe celălalt, un fop bogat. Un alt personaj este un servitor
din unitatea tatălui. Așa cum fiica trebuie să fie căsătorită cu forța la fop sau chiar
când era pe punctul de a fugi cu iubitul ei, sosește zâna cea bună. A urmat ceea ce
a fost deseori cea mai spectaculoasă parte a producției, scena transformării magice.
La începutul pantomimelor, Arlechin poseda puteri magice pe care le folosea
pentru a se ajuta și interesul său amoros scăpa. Își atingea sabia de lemn (un derivat
al Commedia dell'arte slapstick sau "batte") pe podea sau peisaj pentru a face o
mare tranziție a lumii din jurul său. Scena s-ar schimba de la a fi în interiorul unei
case sau a unui castel la, în general, pe străzile orașului cu vitrine ca fundal.
Secvența de transformare a fost prezidată de un personaj Fairy Queen sau Fairy
Godmother . Zâna cea bună a transformat în mod magic plumbele din povestea de
zână de deschidere în noile lor identități ca personaje de arlechinadă. Iată un
exemplu al discursului pe care zâna l-ar da în timpul acestei transformări:
Iubitorii stau în evidență. Cu tine vom începe.
Vei fi corectă Columbine - tu Arlequin.
Regele Jamie de acolo, bonnie loon scoțian,
va fi un celebru copil pentru Pantaloon.
Deși Guy Fawkes este acum salvat din pietre și topor,
cred că ar trebui să plătească impozitul pe pulbere.
Comploturile sale tipice au explodat - nu, nu te încrunta;
Ai fost întotdeauna un tip - acum fii clovn.
Acest pasaj provine dintr-o adaptare pantomimică a poveștii Guy Fawkes . Zâna
creează personajele arlequinadei în modul cel mai tipic de a le spune pur și simplu
personajelor în ce se vor schimba. Principalele personaje masculine și feminine de
la începutul complotului, interpretate adesea de tinere femei, au devenit iubiții
Columbine și Arlequin, mama sau tatăl Columbinei a devenit Pantaloon, iar
servitorul sau alt personaj de benzi desenate a devenit Clown. Vor trece în noile
personaje pe măsură ce peisajul din jurul lor s-a schimbat și ar continua în
secțiunea „distracție nebună” a spectacolului. Din vremea lui Grimaldi, Clown
avea să vadă decorul transformat și să strige: „Iată-ne din nou!” Arlechinada a
început cu diferite scene de urmărire, în care Arlechin și Columbine reușesc să
scape din ghearele Clovnului și Pantalonului, în ciuda salturilor acrobatice ale
primului prin ferestre, deasupra scărilor, adesea din cauza acțiunilor bine
intenționate, dar greșite ale polițistului. În cele din urmă, a existat o „scenă
întunecată”, cum ar fi o peșteră sau o pădure, în care îndrăgostiții au fost prinși, iar
bagheta magică a lui Arlequin a fost capturată din mâna lui de Clovn, care avea să
înflorească în triumf. Zâna cea bună va reapărea apoi și, odată ce tatăl a fost de
acord cu căsătoria tinerilor îndrăgostiți, ea va transporta întreaga companie într-o
mare scenă finală.
În ciuda declinului său vizibil până în 1836, pantomima încă a luptat pentru a
rămâne în viață.[37] După 1843, când teatrelor, altele decât teatrele de brevet
inițiale, li s-a permis să desfășoare dialoguri vorbite, importanța arlequinadei tăcute
a început să scadă, în timp ce importanța părții de basm a pantomimei a crescut.
[32] Doi scriitori care au contribuit la ridicarea importanței și popularității porțiunii
de basm a pantomimei au fost James Planché și Henry James Byron. Au subliniat
jocurile de cuvinte și jocul de cuvinte pline de umor, o tradiție care continuă și
astăzi în pantomimă.[32] În calitate de manager al Drury Lane în anii 1870,
Augustus Harris a scris o serie de pantomime extraordinar de populare,
concentrându-se pe spectacolul producțiilor, care a împins această tranziție
subliniind afacerile comice în deschiderea pantomimei și în marile procesiuni.[38]
Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, arlechinada devenise doar un scurt epilog al
pantomimei, devenind un scurt spectacol de dans și acrobație.[39] A mai rămas
câteva decenii mai mult, dar a dispărut în cele din urmă, deși câteva dintre
elementele sale comice au fost încorporate în poveștile pantomimei.[23] Ultima
arlechinadă a fost jucată la Teatrul Liceu în 1939.
Interpretat în mod tradițional la Crăciun și după aceea, cu publicul de familie,
pantomima britanică continuă ca o formă populară de teatru, încorporând cântec,
dans, bufonerie, slapstick, pansament încrucișat, glume, referințe de actualitate,
participarea publicului și ușoară insinuări sexuale.[41] Comediant scoțian Craig
Ferguson, în memoriile sale din 2020, rezumă pantomima contemporană ca folclor
clasic și basme repovestite în mod vag într-o comedie-muzical teatrală slapstick
(„Think Mama mea! care prezintă Three Stooges dar cu catalogul din spate al
tuturor, nu doar ABBA 's "), și în plus, inclusiv participarea publicului care
amintește de spectacolele filmului Spectacolul de imagine Rocky Horror
Liniile și scenariile poveștii Pantomime nu fac, de obicei, nicio referire directă la
Crăciun și se bazează aproape întotdeauna pe povești tradiționale pentru copii, în
special pe povesti cu zane de Charles Perrault, Joseph Jacobs, Hans Christian
Andersen si Frații Grimm. Unele dintre cele mai populare povești de pantomimă
includ Cenusareasa, Aladdin, Dick Whittington și pisica sa și Alba ca Zapada si cei
sapte pitici,[4] precum și Jack si vrejul de fasole, Peter Pan, motanul încălțat și
Frumoasa adormită.[43] Alte povești tradiționale includ Mama Gâscă, Frumoasa si
Bestia, Robinson Crusoe, Vrajitorul din Oz, Naivi (combinat cu elemente de Robin
Hood ), Scufita Rosie, Goldilocks si cei trei ursi, Sinbad, Sfântul Gheorghe și
Dragonul, Barba Albastră, Mica Sirenă și Thumbelina.[27][44] Înainte de
aproximativ 1870, multe alte povești au fost transformate în pantomime.[32][45]
În timp ce familiarizarea publicului cu povestea originală a copiilor este în general
presupusă, liniile argumentale sunt aproape întotdeauna adaptate pentru efectul
comic sau satiric, iar personajele și situațiile din alte povești sunt adesea
interpolate în complot. De exemplu versiunile "panto" ale Aladdin poate include
elemente din Ali Baba și cei patruzeci de hoți sau altul nopți arabe povești; in timp
ce Jack si vrejul de fasole ar putea include referiri la rime de pepinieră și alte
povești pentru copii care implică personaje numite „Jack”, cum ar fi Jack si Jill.
Anumite scene familiare tind să reapară, indiferent de relevanța complotului și
rezoluția extrem de puțin probabilă a complotului este comun. Reluările directe ale
poveștilor originale sunt rare.
Formularul conține o serie de convenții, dintre care unele s-au schimbat sau s-au
slăbit puțin de-a lungul anilor și nu sunt în niciun caz obligatorii. Unele dintre
aceste convenții au fost cândva comune pentru alte genuri de teatru popular, cum
ar fi melodramă.[47]

Cel mai important personaj juvenil masculin ( baiat principal ) este interpretat în
mod tradițional de o tânără în îmbrăcăminte masculină (cum ar fi pantaloni ).
Partenerul ei romantic este de obicei fata principală, o femeie ingénue.
O femeie mai în vârstă ( pantomima dame - de multe ori mama eroului) este
interpretată de obicei de un bărbat în trage.[48]
Risqué dublu înțeles, de multe ori smulgând insinuări din fraze perfect inocente.
Aceasta este, în teorie, deasupra capului copiilor din public și este pentru distracția
adulților.
Participarea publicului, inclusiv apeluri de „El e în spatele tău!” (sau „Uită-te în
spatele tău!”) și „O, da, este!” și "Oh, nu, nu este!" Publicul este întotdeauna
încurajat să șuiere răufăcătorul și să „awwwww” sărmanele victime, cum ar fi
doamna respinsă, care este de obicei îndrăgostită de unul dintre personajele
masculine.[49]
Muzica poate fi originală, dar este mai probabil să combine melodii cunoscute cu
versuri rescrise. Cel puțin o melodie de „participare a publicului” este tradițională:
o jumătate din public poate fi provocată să cânte corul „lor” mai tare decât cealaltă
jumătate. Copiii din public pot fi chiar invitați pe scenă să cânte împreună cu
membrii distribuției.
Animalul, interpretat de un actor în „piele de animal” sau costum de animal. Este
adesea un cal pantomimă sau vacă (deși ar putea fi chiar o cămilă dacă este
adecvată decorului), interpretată de doi actori într-un singur costum, unul ca capul
și picioarele din față, celălalt ca corpul și picioarele din spate.
Zâna cea bună intră din scenă dreapta (din punctul de vedere al publicului, aceasta
este în stânga), iar ticălosul intră din scena stânga (dreapta din punctul de vedere al
publicului). Această convenție se întoarce la piesele de mister medievale, unde
partea dreaptă a scenei simboliza Cerul, iar partea stângă simboliza Iadul.
O rutină de comedie slapstick poate fi efectuată, adesea o scenă de decorare sau
coacere, cu umor bazat pe aruncarea de substanțe dezordonate. Până în secolul al
XX-lea, pantomimele britanice se încheiau adesea cu un arlechinadă, un
divertisment de sine stătător al slapstick. De atunci, slapstick-ul a fost încorporat în
corpul principal al spectacolului.
În secolul al XIX-lea, până în anii 1880, pantomimele includeau în mod obișnuit o
scenă de transformare în care o Regină Zână transforma magic personajele
pantomimei în personajele arlequinadei, care apoi interpretau arlequinada.[39][48]
Refrenul, care poate fi considerat in plus pe scenă și apar adesea în mai multe
scene (dar ca personaje diferite) și care interpretează o varietate de cântece și
dansuri pe tot parcursul spectacolului. Datorită multiplelor lor roluri, pot avea atât
de mult timp de scenă cât personajele principale.
La un moment dat în timpul spectacolului, personaje, inclusiv Dame și benzi
desenate, vor sta pe o bancă și vor cânta un cântec vesel pentru a-și uita temerile.
Lucrul de care se tem, adesea o fantomă, apare în spatele lor, dar la început
personajele ignoră avertismentele de pericol ale publicului. Personajele înconjoară
curând banca, urmate de fantomă, în timp ce publicul strigă „E în spatele tău!”
Rând pe rând, personajele văd fantoma și fug, până când în cele din urmă Dame și
fantoma se întâlnesc față în față, după care fantoma, speriată de chipul Damei,
fuge.
O altă tradiție de pantomimă contemporană este vedeta invitată, o practică care
datează de la sfârșitul secolului al XIX-lea, când Augustus Harris, proprietar al
Teatrul Regal, Drury Lane, a angajat artiști de varietăți cunoscuți pentru
pantomimele sale.

Multe pantomime moderne folosesc artiști populari pentru a promova pantomima,

iar piesa este adesea adaptată pentru a permite vedetei să-și prezinte actul
binecunoscut, chiar și atunci când un astfel de spot are puține relații cu intriga. Ca
critic Michael Billington a explicat, dacă vedeta intră în spiritul divertismentului,
el sau ea poate adăuga efectul său general, în timp ce dacă devine o „vitrină pentru
o stea” care „stă în afara acțiunii”, prezența vedetei poate afecta, cu toate acestea
avantajul de marketing pe care vedeta îl aduce piesei.[50] Billington a spus asta Ian
McKellen într-un 2004 Aladdin "își dă jos părul și își ridică fusta pentru a dezvălui
o pereche de picioare îndrăznețe și pofta de mâncare pentru dublu înțeles: când
decoratorii le-au spus că „pridvorul tău ar putea face cu o lingere bună”, McKellen
adoptă un aspect adecvat de indignare. ... Cel puțin le putem spune nepoților noștri
că am văzut-o pe McKellen Twankey și a fost imens