Proiect la la Studii vizuale

Kandinsky

Student : Tanana Petruta Iulia, anul I,ITA

“Soarele topește toată Moscova într-un singur loc care, ca o tubă nebună, începe
să vibreze toată inima și tot sufletul. Dar nu, această uniformitate de roșu nu este
cea mai frumoasă oră. Este doar acordul final al unei simfonii care duce fiecare
culoare la zenitul vieții care, la fel ca fortissimo-ul unei mari orchestre, este
obligat și permis de Moscova să sune.”

— Vasili Kandinsky
. Wassily Wassilyevich Kandinsky (4 decembrie 1866 - 13 decembrie
1944) a fost un pictor rus și teoretician al artei. Kandinsky este în general
creditat ca fiind pionierul in artă abstractă. Născut la Moscova,
Kandinsky și-a petrecut copilăria în Odesa (azi Ucraina), unde a absolvit
Școala de artă Grekov Odessa. S-a înscris la Universitatea din Moscova,
studiază dreptul și economia. Având succes în profesia sa - i s-a oferit o
catedră (catedra de Dreptul roman) la Universitatea din Dorpat (astăzi
Tartu, Estonia) —Kandinsky a început studiile de pictură (desen de viață,
schițe și anatomie) la vârsta de 30 de ani.
În 1895, expoziția impresioniștilor de la Moscova, care cunoștea doar naturalismul rus (
Repin , Shishkine ), și spectacolul operei lui Wagner , Lohengrin , la care a participat la
teatrul de la curtea din Moscova, marchează dezvoltarea sa. El a scris că complet
incapabil să recunoască subiectul roților de Monet , el face înainte de această experiență
imagine o apreciere de pictura , indiferent de obiectul său. Lohengrin , printr-un efect al
sinesteziei , i se pare că reprezintă Moscova. „Mi-am putut vedea mental toate culorile,
au stat în fața ochilor mei. Liniile sălbatice, aproape nebunești, se iveau în fața mea ” .
Noile teorii ale fizicii, odată cu dezintegrarea atomului, au același efect uimitor asupra
acestuia.
În 1896, Kandinsky s-a stabilit Munchen, studiază mai întâi la Anton Ažbe școala privată și
apoi la Academia de Arte Plastice. S-a întors la Moscova în 1914, după izbucnirea
primului război mondial Revoluția Rusă, Kandinsky "a devenit un membru al
administrației culturale din Anatoly Lunacharsky” și a ajutat la înființarea Muzeului
Culturii Picturii. Cu toate acestea, până atunci „perspectiva sa spirituală ... era străină de
materialismul argumentativ al societății sovietice”, și s-au făcut oportunități în Germania,
la care s-a întors în 1920. Acolo a predat la Bauhaus școală de artă și arhitectură din 1922
până ce naziștii a închis-o în 1933. S-a mutat apoi în Franța, unde a trăit pentru tot restul
vieții sale, devenind cetățean francez în 1939 și producând unele dintre cele mai
proeminente opere ale sale. A murit in Neuilly-sur-Seine în 1944.
Murnau, trenul și castelul (1909)
Picturile lui Kandinsky vor deveni treptat tot mai abstracte, iar cu Murnau, Train and Castle . Kandinsky a
pictat-o ​în 1909 după ce a călătorit în mare parte din Europa și apoi a decis să se stabilească în Murnau -
un mic oraș din Bavaria. În acest tablou, puteți vedea cum culoarea joacă aproape același rol ca și formele
pe care le formează, deși formele de aici sunt în continuare clare; trenul și castelul sunt evidente, precum
și diferitele elemente ale fundalului.
Okhtyrka. Biserica Roșie, 1908
Un peisaj rus imaginativ, o evocare a artistului dor de
casă.
Din 1909, ceea ce Kandinsky numește „corul culorilor” a devenit din ce în ce mai
vibrant, el l-a încărcat cu putere emoțională și cu o semnificație cosmică intensă.
Această evoluție a fost atribuită unei lucrări a lui Goethe , Tratat despre culori
( Farbenlehre ), care a influențat cărțile sale Despre spiritual în artă și priveliști ale
trecutului . În anul următor, a pictat prima lucrare abstractă produsă dintr-o
convingere profundă și cu un scop clar definit: să înlocuiască figurarea și imitarea
„realității” exterioare a lumii materiale printr-o creație pură de natură spirituală. din
necesitatea interioară a artistului. Sau, pentru a folosi terminologia filosofului
Michel Henry , înlocuiți pentru aspectul vizibil al lumii exterioare realitatea interioară
patetică și invizibilă a vieții. Kandinsky a explicat că intuiția care l-a condus la
abstractizare s-a produs în 1908, când a văzut unul dintre propriile sale tablouri
zăcând pe o parte, de nerecunoscut în lumina stinsă a amurgului.
Un munte, 1909
Peisaj aproape complet abstract, cu sugestii ușoare de contur ale unui deal și figuri
umane
Prima acuarelă abstractă, 1910
Această lucrare este importantă din punct de vedere istoric, fiind prima acuarelă
pur abstractă Kandinsky executată vreodată.
Improvizația 10, 1910
Improvizație în desen și culoare, sugerând, dar nu oferind niciodată pe deplin imagini
concrete. O lucrare abstractă timpurie.
Liric, 1911
Pe măsură ce își bazează adesea pictura pe idei muzicale, natura lirică a loviturilor
sale a venit de la sine. Acesta este un singur poem pictural pur.
Compoziția IV, 1911 O anecdotă spune că Kandinsky a crezut că a terminat pictura doar după
ce asistentul său a întors-o accidental în lateral – schimbarea de perspectivă a schimbat
impresia generală a piesei și a făcut-o perfectă.
Improvizația 26 (Canotaj), 1912
O improvizație despre muzică. Kandinsky și-a denumit adesea operele ca piese muzicale,
numindu-le improvizații și compoziții.
Improvizația 31 (Bătălia pe mare), 1913
Exemplu tipic de abstractizare lirică, puternic ca culoare și conținut
emoțional.
Studiu de culoare: pătrate cu cercuri concentrice, 1913
Deja adânc în domeniul abstractizării, Kandinsky a explorat valorile și relațiile dintre
culori. Acesta este un studiu cromatic și geometric.
Compoziția VI, 1913
După ce a experimentat un bloc din cauza pregătirii extinse pentru această pictură, Kandinsky a
terminat-o în trei zile repetând cuvântul de inspirație de bază „uberflut”, inundație în limba
germană, ca o mantră în timpul picturii. Musicalitatea acestui cuvânt i-a spus artistului cum ar
trebui să finalizeze lucrarea.
Moscova, 1916
În timpul reședinței sale la Moscova în anii războiului, Kandinsky a fost lovit de
frământările marelui oraș. Acesta este mai mult un portret al orașului decât un
peisaj, surprinzând toate puterile și turbulențele sale.
Albastru, 1922
Un alt studiu al culorii, cu forme geometrice foarte
reduse.
Negru și Violet, 1923
Una dintre picturile realizate la întoarcerea sa în Germania. Încă bogată în culori,
compoziția a luat o întoarcere distinctă ascuțită și geometrică, îndepărtând loviturile lirice
cu mâna liberă.
 Pe Alb II, 1923
Reprezentarea vizuală asupra contemplației pe două nuanțe de bază – alb-negru. Cele două
contrarii creează un puternic contrast, păstrând tensiunea picturii, care emulează lupta
dintre viață și moarte.
Galben, roșu, albastru, 1925
După cum sugerează titlul, acesta este în primul rând studiul potențialului culorilor de
bază, care împodobesc geometria compozițională
Succesiunea, 1935
Aceasta este aproape o piesă muzicală, marcând perioada târzie a artei lui Kandinsky.
Câmpurile sale au devenit închise, fluide și definite în formă, în timp ce compozițiile aveau
elemente împrăștiate. Se întorcea la rădăcinile sale abstracte.
Compoziția X, 1939
Adesea legată de compoziții picturale și muzicale, această lucrare este influențată direct
de muzică. Elementele vizuale sunt proporționale cu elementele muzicale ale unei
simfonii perfecte. Kandinsky credea că acesta este secretul picturii pure.
 Punctele reprezintă o ilustrare a modului în care a conceput aceste forme geometrice. Cele două
elemente principale ale picturilor sale în acest moment erau linii și puncte. Ambele au avut înțelesuri
suplimentare în teoria sa; un punct este doar o formă în pictura, fără a se limita la orice culoare
specifică, dimensiune sau formă. Liniile sunt rezultatul unui artist care aplică forța pe un instrument, o
pensulă sau un creion, într-o anumită direcție, și chiar și direcțiile și curbele (sau lipsa acestora) ale
liniilor au avut o semnificație specifică lui Kandinsky.
Analizele lui Kandinsky asupra formelor și culorilor rezultă nu din asociații de idei simple, arbitrare, ci din experiența interioară a pictorului. A
petrecut ani de zile creând abstract, picturi bogate senzorial, care lucrează cu forma și culoarea, observând neobosit propriile picturi și ale altor
artiști, observând efectele lor asupra simțului său de culoare.Această experiență subiectivă este ceva ce oricine poate face - nu observații
științifice, obiective, ci interioare, subiective, ceea ce filosoful francez Michel Henry numește „subiectivitate absolută” sau „absolută”
viata fenomenologica".[
În ceea ce privește spiritualul în artă Publicat la München în 1911, textul lui Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst, definește trei tipuri de
pictură; impresii, improvizații și compoziții. În timp ce impresiile se bazează pe o realitate externă care servește drept punct de plecare,
improvizațiile și compozițiile descriu imagini emergente din inconștient, deși compoziţie este dezvoltat dintr-un punct de vedere mai
formal Kandinsky compară spiritual viata umanitatii la o piramidă—Artistul are misiunea de a-i conduce pe alții către culme cu opera sa. Punctul
piramidei este acei câțiva artiști mari. Este o piramidă spirituală, care avansează și urcă încet, chiar dacă uneori pare imobilă. În perioadele
decadente, sufletul se scufundă până la fundul piramidei; umanitatea caută doar succesul exterior, ignorând forțele spirituale.
Culorile din paleta pictorului evocă un efect dublu: un efect pur fizic asupra ochiului, care este fermecat de frumusețea culorilor, similar cu
impresia veselă când mâncăm o delicatesă. Cu toate acestea, acest efect poate fi mult mai profund, provocând o vibrație a sufletului sau o
„rezonanță interioară” - un efect spiritual în care culoarea atinge sufletul însuși.
„Necesitatea interioară” este, pentru Kandinsky, principiul artei și fundamentul formelor și armonia culorilor. El îl definește ca principiul
contactului eficient al formei cu sufletul uman. Fiecare formă este delimitarea unei suprafețe de alta; posedă un conținut interior, efectul pe care
îl produce asupra celui care îl privește cu atenție.[ Această necesitate interioară este dreptul artistului la libertate nelimitată, dar această libertate
devine licență dacă nu se bazează pe o astfel de necesitate. Arta se naște din necesitatea interioară a artistului într-un mod enigmatic, mistic,
prin care dobândește o viață autonomă; devine un subiect independent, animat de o suflare spirituală.
Proprietățile evidente pe care le putem vedea atunci când privim o culoare izolată și o lăsăm să acționeze singură, pe de o parte este căldura sau
răceala tonului de culoare, iar pe de altă parte este claritatea sau obscuritatea tonului respectiv. Căldura este o tendință spre galben, iar răceala
o tendință spre albastru; galben și albastru formează primul mare contrast dinamic. Galbenul are un excentric mișcare și albastru
a concentric circulaţie; o suprafață galbenă pare să se apropie de noi, în timp ce o suprafață albastră pare să se îndepărteze. Galbenul este o
culoare tipic terestră, a cărei violență poate fi dureroasă și agresivă. Albastrul este o culoare cerească, evocând un calm profund. Combinația
dintre albastru și galben produce o imobilitate totală și calm, care este verde.
Claritatea este o tendință spre alb, iar obscuritatea este o tendință spre negru. Albul și negrul formează al doilea mare contrast, care este
static. Albul este o tăcere profundă, absolută, plină de posibilități. Negrul este neantul fără posibilitate, o liniște eternă fără speranță și
corespunde cu moartea. Orice altă culoare rezonează puternic asupra vecinilor săi. Amestecul de alb cu negru duce la gri, care nu posedă forță
activă și a cărui tonalitate este aproape de cea a verde. Gri corespunde imobilității fără speranță; tinde să dispere când devine întuneric,
recâștigând puține speranțe când se luminează.[
Roșul este o culoare caldă, viu și agitat; este puternică, o mișcare în sine. Amestecat cu negru devine maro, o culoare dură. Amestecat cu galben,
câștigă căldură și devine portocaliu, ceea ce conferă o mișcare iradiantă în împrejurimile sale.[Când roșul este amestecat cu albastru, se
îndepărtează de om pentru a deveni violet, care este un roșu rece. Roșu și verde formează al treilea mare contrast, iar portocaliu și violet al
patrulea.
În scrierile sale, publicate la München de Verlag Albert Langen în 1926, Kandinsky a analizat elementele geometrice care alcătuiesc fiecare
pictură - punct si linia. El a numit suportul fizic și suprafața materială pe care artistul desenează sau pictează planul de bazăsau BP. Nu le-a
analizat în mod obiectiv, ci din punctul de vedere al efectului lor interior asupra observatorului.
Un punct este un pic de culoare pus de artist pe pânză. Nu este nici un punct geometric, nici o abstractizare matematică; este extensie,
formă și culoare. Această formă poate fi un pătrat, un triunghi, un cerc, o stea sau ceva mai complex. Ideea este cea mai concisă formă,
dar, în funcție de plasarea sa pe planul de bază, va lua o tonalitate diferită. Poate fi izolat sau să rezoneze cu alte puncte sau linii.
O linie este produsul unei forțe care a fost aplicată într-o direcție dată: forța exercitată de artist pe creion sau pensulă. Formele liniare
produse pot fi de mai multe tipuri: a drept linie, care rezultă dintr-o forță unică aplicată într-o singură direcție; un unghiular linie, rezultată
din alternanța a două forțe în direcții diferite, sau a curbat (sau asemănătoare valurilor) linie, produsă de efectul a două forțe care
acționează simultan. A avion poate fi obținut prin condensare (dintr-o linie rotită în jurul unuia dintre capetele sale).Efectul subiectiv
produs de o linie depinde de orientarea acesteia: a orizontală linia corespunde cu solul pe care se sprijină și se mișcă omul; posedă o
tonalitate afectivă întunecată și rece asemănătoare cu negru sau albastru. A vertical linia corespunde înălțimii și nu oferă suport; are o
tonalitate luminoasă, caldă, aproape de alb și galben. A diagonală posedă o tonalitate mai mult sau mai puțin caldă (sau rece), în funcție
de înclinația sa spre orizontală sau verticală.]
O forță care se desfășoară singură, fără obstacole, așa cum corespunde cea care produce o linie dreaptă lirism; mai multe forțe care se
confruntă (sau deranjează) formează o dramă. unghi format de linia unghiulară are, de asemenea, o sonoritate interioară care este caldă și
aproape de galben pentru un unghi acut (un triunghi), rece și similar cu albastru pentru un unghi obtuz (un cerc) și similar cu roșu pentru
un unghi drept (un pătrat).
Planul de bază este, în general, dreptunghiular sau pătrat. Prin urmare, este compus din linii orizontale și verticale care o delimitează și o
definesc ca o entitate autonomă care susține pictura, comunicând tonalitatea sa afectivă. Această tonalitate este determinată de
importanța relativă a liniilor orizontale și verticale: orizontale conferind o tonalitate calmă și rece planului de bază în timp ce verticalele
conferă o tonalitate calmă și caldă. Artistul intuiește efectul interior al formatului și dimensiunilor pânzei, pe care îl alege în funcție de
tonalitatea pe care dorește să o ofere operei sale. Kandinsky a considerat planul de bază o ființă vie, pe care artistul o „fertilizează” și o
simte „respirând”.
Fiecare parte a planului de bază posedă o culoare afectivă; aceasta influențează tonalitatea elementelor picturale care vor fi desenate pe
ea și contribuie la bogăția compoziției rezultată din juxtapunerea lor pe pânză. de mai sus din planul de bază corespunde cu slăbiciune și
ușurință, în timp ce de mai jos evocă condensarea și greutatea. Sarcina pictorului este să asculte și să cunoască aceste efecte pentru a
produce tablouri care nu sunt doar efectul unui proces aleatoriu, ci rodul muncii autentice și rezultatul unui efort către frumusețea
interioară.
Această carte conține numeroase exemple fotografice și extrase din lucrările lui Kandinsky, care oferă demonstrația observațiilor sale
teoretice și care permit cititorului să reproducă în el claritatea interioară, cu condiția să-și ia timp să privească acele imagini cu grijă, că le-a
lăsat acționând după propria sa sensibilitate și că a lăsat să vibreze corzile sensibile și spirituale ale sufletului său.
BIBLIOGRAFIE

Voss, Julia (20 mai 2013). „Primul artist abstract? (Și nu este Kandinsky)”. Tate
Etc. (27). REGATUL UNIT: Tate. Adus 31 ianuarie 2019.

Lindsay, Kenneth; Vergo, Peter (1994). Kandinsky: Scrieri complete despre artă. New
York: Da Capo Press. ISBN 9780306805707.

Lindsay, Kenneth; Vergo, Peter (1994). Kandinsky: Scrieri complete despre artă. New
York: Da Capo Press.

Lindsay, Kenneth și Peter Vergo. "Introducere". Kandinsky: Scrieri complete despre

artă. New York: Da Capo Press, 1994.

ASHMORE, JEROME (1962). "Latura teoretică a lui Kandinsky". Critică. 4 (3): 175–
185. ISSN 0011-1589. JSTOR 23091068.