Neogoticul și mișcarea Arts&Crafts

Legătura mișcării Arts&Crafts cu neogoticul și modul în care

cea dintâi iși găsește modele în predecesorul său

Hriscu Andrei-George semian A an II

Sofronie Tudor-Gabriel semian B an II

Eseul urmărește principiile neogoticului și dorește să evidențieze cum din aceste principii
se dezvoltă noua mișcare Arts&Crafts, care prin ele găsește rezolvare la problemele întâlnite în
perioada sfâșitului secolului 19. Deși preia anumite caracteristici (enunțate de John Ruskin în
capitolul Nature of gothic din cartea The stones of Venice care a constituit imboldul pentru
William Morris, si afirmațiile lui A.W.N. Pugin din „Adevăratele principii ale arhitecturii
punctuale sau arhitectură creștină”) reușește să le adapteze unor noi condiții și programe pentru
a se detașa de simpla copiere mot-a-mot a gloriosului gotic medieval.
 Renașterea gotică a fost o reacție la renașterea clasică și a avut o influență semnificativă,
precum pe continentul Europei, și în Australia și în America. Noua mișcare a fost condusă de John
Ruskin și Augustus Pugin. Aceasta a continuat de-a lungul secolului al XIX-lea înlocuind treptat
stilurile clasice care erau atunci predominante. Acești bărbați care au propulsat ideea renașterii
gotice nu au văzut mișcarea doar din punct de vedere structural, ci și din punct de vedere religios
și spiritual. Cei care au susținut Renașterea gotică au considerat că religiile și-au produs propria
lor arhitectură suprem care și-a exprimat cel mai bine etosul și spiritul. Ruskin, Pugin și ceilalți
care au susținut renașterea stilului gotic s-au revoltat împotriva mecanizării revoluției industriale.
Ideile pe care le-au avut au dus în cele din urmă la mișcarea Arts and Crafts, cu rădăcinile sale
intarite în stilul gotic.

Augustus Welby Northmore Pugin John Ruskin

 În acest sens John Ruskin descrie goticul în următoarea manieră:
“Cred ca urmatoarele caracteristici ale goticului, în ordinea importanței lor, sunt:
1. Sălbăticia
2. Schimbarea
3. Naturalețea
4. Grotescul
5. Rigiditatea
6. Abundența

Sălbăticia – Nu sunt sigur cand anume cuvantul “Gotic” a fost folosit pe scară largă în
arhitectura nordului, dar îmi asum că indiferent de data sa de origine, s-a intenționat sugerarea
reproșului, și exprimarea caracterul barbaric al națiunilor dintre care aceasta arhitectura a apărut.
Este adevărat, profund de adevărat că arhitectura nordului este brutală și sălbatică, dar, nu este
corect că pentru acest motiv ar trebui să o condamnăm sau să o urâm. Din contră, cred că exact din
cauza acestui caracter ea merită cea mai sinceră recunoștință a noastră.

Sint-Petrus-en-Pauluskerk Ostend (Belgia), 1899 -1908 , Louis Delacenserie

 Schimbarea. S-a aplicat deja operațiunea independentă care îi permite lucratorului inferior,
de altfel vazută ca o datorie, să înobileze arhitectura facând-o mai creștină. Trebuie acum să
considerăm ce recompensă obținem în urma performanței acestei datorii și anume varietatea
continuă a fiecărei caracteristici ale clădirii. Oriunde muncitorul este înrobit, piesele din clădire
trebuie să arate desigur ca toate celelalte, pentru că perfecțiunea manoperei sale poate fi atinsă doar
prin exersarea acestuia în a face un singur lucru și neoferindu-i acestuia nimic altceva să facă.
Prin urmare, gradul în care muncitorul este calificat poate fi știut printr-o singură privire, prin
observarea faptului daca mai multe părți ale clădirii sunt similare sau nu și dacă, ca în operele
grecești, toate capitelurile arată la fel, decorațiunile nu variază. Dacă și în operele egiptene totuși
modul de execuție ale unor figuri este întotdeauna același, ordinea design-ului este mereu variat,
iar la fel ca în opera gotică, există o continuă schimbare în amândouă, design și execuție, lucratorul
cu siguranță ar fi fost lăsat complet liber.
Cât de mult câștigă privitorul din libertate muncitorul poate fi pus la îndoială în Anglia, unde unul
dintre cele mai puternice instincte din aproape fiecare minte este acea iubire de ordine care ne face
să dorim ca ferestrele casei să se asocieze ca și caii la trăsură și ne permite să strigăm credința fără
ezitare teoriilor arhitecturale care fixează o formă pentru orice și interzic variația din aceasta. Nu
aș acuza iubirea de ordine: este unul dintre cele mai utile elemente ale minții engleze; ne ajută în
comerțul nostru în toate problemele pur practice și este în multe cazuri una dintre pietrele
fundamentale ale moralității. Dar instinctele noastre superioare nu sunt distrase. Nu ne luăm
bucuria din clădirea construită pentru noi, asemănându-o cu aceea pe care o luăm dintr-o carte
nouă sau o nouă imagine. S-ar putea să fim mândri de dimensiunile sale, plini de satisfacție în
corectitudine și fericiți în comoditatea sa. S-ar putea să ne bucurăm de aceeași plăcere în simetria
și manopera ca într-o cameră bine echilibrată sau o piesă de fabricație pricepută. Și asta
presupunem a fi toate plăcerea pe care arhitectura a fost destinată să ni-o ofere vreodată.Ideea de
a citi o clădire așa cum am citi Milton sau Dante și obținerea aceleași fel de încântare din mai
nimic ca din strofe, niciodată nu intră în mintea ta pentru o clipă.
 Al treilea element constitutiv al minții gotice a fost declarat naturalismul; adică dragostea
de obiecte naturale de dragul lor și efortul de a le reprezenta sincer, neconstrâns de legi artistice.
Această caracteristică a stilului urmează, partial, în legătură necesară, cu cele numite mai sus. De
îndată ce muncitorul este lăsat liber să reprezinte ce subiecte alege, el trebuie să privească natura
ce îl înconjoară pentru materiale și se va strădui să-l reprezinte așa cum îl vede, cu mai multă sau
mai puțină precizie în funcție de priceperea pe care o deține și cu mult joc de fantezie, dar cu un
mic respect față de lege. Există, cu toate acestea, o distincție marcată între imaginațiile raselor
occidentale și estice, chiar și atunci când ambele sunt lăsate libere; occidental, sau gotic, încântând
cel mai mult prin reprezentarea faptelor și oriental (Arab, persan și chinez) prin armonia culorilor
și formelor. Constructorii gotici erau din acea clasa centrală care unește faptul cu designul; dar
partea lucrării care era mai ales a lor era veridicitatea. Puterea lor de invenție sau aranjament
artistic nu a fost mai mare decât cea a muncitorilor romanici și bizantini: de la acei muncitori au
învățat principiile de la ei au primit modelele lor, este o mare operă de artă, pentru a cărei producție
pot fi fie reguli, fie modele date. Exact în măsura în care arhitectura funcționează, din reguli
cunoscute și din modelele date, nu este o artă, ci o manufacturare și este, dintre cele două proceduri,
destul de puțin rațional (pentru că este mai ușor) să copiem capiteluri sau mulaje din Phidias și să
ne numim arhitecți, decât să copiem capete și mâini de la Titian și să ne numim pictori. Să
înțelegem atunci dintr-o dată că schimbarea sau varietatea este la fel de necesară pentru inima și
creierul uman în clădiri ca în cărți; că nu există niciun merit, deși există o anumită utilizare
ocazională, în monotonie; și asta nu mai trebuie să ne așteptăm să obținem nici plăcere, nici profit
dintr-o arhitectură ale cărei ornamente sunt un model și ai cărui piloni sunt de o singură proporție
și ar trebui să ieșim dintr-un univers în care norii sunt de o singură formă, iar copacii sunt de o
singură dimensiune. Nici în subiectul extern și vizibil nu este lucrătorul gotic adaptat pentru
adevăr: el este la fel de ferm în randarea imaginativă ca un adevăr real; adică când o idee ar fi fost
reprezentată simbolic de către un roman sau bizantin, mintea gotică o realizează la maxim. În al
doilea rând, opera gotică, atunci când ne referim la aranjarea întregii arte, ca puristă, naturalistă
sau senzualistă, este naturalistă. Acest caracter urmărește în mod necesar dragostea sa extremă de
adevăr, prevalând asupra simțului frumuseții și determinându-l să se încânte de portretul de orice
fel și să exprime diversele caractere ale înfățișării și formei umane, așa cum au făcut soiurile de
frunze și duritatea lor. Iar această tendință este crescută și înnobilată de aceeași smerenie creștină
pe care am văzut-o exprimată în primul caracter al operei gotice, sălbăticia sa. Pentru că, astfel, a
rezultat o umilință care a mărturisit imperfecțiunea lucrătorului, astfel încât aceast portret
naturalistă este mai fidel reperzentat de către smerenie care mărturisește imperfecțiunea
subiectului. Sculptorul grec nu putea suporta nici mărturisirea propriei lui slăbiciuni și nici nu va
spune greșelile formelor pe care le-a înfățișat. Dar muncitorul creștin, crezând că totul este, în
sfârșit, să lucreze împreună pentru bine, mărturisește liber ambele și nici nu încearcă să deghizeze
propria lui rugozitate a muncii și nici asprimea subiectului său.
 Al patrulea element esențial al minții gotice a fost menționat mai sus a fi simțul grotescului;
dar voi amâna efortul de a defini acest caracter cel mai curios și mai subtil până când vom avea
ocazia de a examina una dintre diviziile școlilor renascentiste, care a fost influențată morbid de ea.
Este cu atât mai puțin necesar să insist aici, pentru că fiecare cititor familiarizat cu arhitectura
gotică trebuie să înțeleagă ceea ce vreau să spun și , cred eu, nu va avea nicio ezitare în a admite
că tendința de a se încânta în fantastic și în ludic, precum și în imagini sublime, este un instinct
universal al imaginației gotice.
 Al cincilea element menționat mai sus a fost Rigiditatea; și acest character trebuie să mă
străduiesc să îl definesc cu atenție nici cuvântul pe care l-am folosit și nici altul la care să mă
gândesc nu îl vor exprima cu exactitate. Căci vreau să spun, nu doar rigiditate stabilă, dar activă;
energia deosebită care dă tensiune mișcării și rigidiate rezistenței, care face ca cel mai fioros fulger
să fie mai degrabă colțuros decât curbat, și cea mai aspră ramură de stejar mai degrabă unghiular
decât unduintă și este la fel prevăzută în tremurarea lancei ca în strălucirea unui sloi de gheaţă.

Nu în ultimul rând, pentru că cel mai puțin esențial, dintre elementele constitutive ale
acestei școli nobile, a fost excesul; dăruirea necalculantă a bogăției muncii sale. Există, într-adevăr,
mult gotic și cel al celei mai bune perioade, în care acest element este greu de urmărit și care
depinde aproape de efectul său exclusiv de dragoste de design simplu și grație de proporție
neimplicată: încă, în cea mai mare măsură clădirilor caracteristice, o anumită parte a efectului lor
depinde de acumularea de ornament; și multe dintre cele care au cea mai mare influență asupra
minții oamenilor, au atins-o prin intermediul acestui atribut singur. Și deși, prin studierea atentă a
școlii, este posibil să se ajungă la o chestiune de gust care va fi mult mai mulțumită de câteva linii
perfecte decât de o fațadă întreagă acoperită cu lucrări de tranforaj, clădirea ceea ce satisface doar
un astfel de gust nu trebuie să fie considerat cel mai bun. Pentru prima cerință a goticului
arhitectura fiind, așa cum am văzut mai sus, va admite atât ajutorul, dar va și apela la admirația
cea mai grosolană, precum și cea mai rafinată minte, bogăția operei este paradoxală, după cum
afirmă o parte a smereniei sale. Nici o arhitectură nu este atât de înrăutățită ca aceea simplă; care
refuză să se adreseze ochiului, cu excepția câtorva linii clare și puternice; oferindu-ne atât de puțin
respect spunând că tot ce a oferit este perfect; și dispreț, fie prin complexitatea, fie prin
atractivitatea caracteristicilor sale, să ne stânjenească investigația sau să ne trădeze în încântare.
Acea smerenie, care este însăși viața goticului , se arată nu numai în imperfecțiune, ci și în
acumularea, a ornamentului. Gradul inferior de muncitor este adesea arătat ca bogăție, ca și
asprime a muncii sale; și dacă cooperarea fiecărei mâini și simpatia fiecărei inimi trebuie să fie
primise, trebuie să ne mulțumim pentru a permite redundanță care deghizează eșecul celor slabi și
câștigă atenția neatenției. Cu toate acestea, interesele mult mai nobile se amestecă, în inima gotică,
cu dragostea grosolană a acumulării decorative: un entuziasm magnific, care se simte ca și cum nu
ar putea face niciodată suficient pentru a atinge plenitudinea idealului său; lipsa de egoism a jertfei,
care ar prefera să muncească fără rod înaintea altarului, decât să stea inactiv în interiorul pieței; și,
în sfârșit, o simpatie profundă cu plinătatea și bogăția universului material, ridicându-se din acel
naturalism a cărui operație ne-am străduit deja să o definim. Sculptorul care a căutat modelele sale
printre frunzele din pădure, nu putea, și repede și profund simți că complexitatea nu trebuie
implicată și fiecare oră pe care o petrecea în studiul minutului și diverse lucrări ale naturii, l-au
făcut să simtă mai forțat stricăciunea a ceea ce era mai bun în ce are omul: nici nu trebuie să ne
mirăm că, văzând creațiile ei perfecte și rafinate vărsate într-o profuzie în care concepția nu a putut
fi înțeleasă și nici calculată; el ar trebui să creadă că i s-a făcut rău de propriul său artizan
nepoliticos; și unde a văzut în întregul univers o frumusețe fără cusur spații nesănătoase de câmp
răsfățat și munte înflorit, pentru a-și risipi munca săracă și imperfectă cele câteva pietre pe care le
ridicase una peste alta, pentru locuire sau pomenire. Anii vieții sale au trecut înainte de îndeplinirea
sarcinii sale; dar generația a reușit, generația cu neîntrerupt entuziasm, iar frontul catedralei s-a
pierdut în cele din urmă în tapiseria sa, ca o stâncă printre pădure și ierburi de primăvară.”

R
 Renașterea gotică care a început în Anglia în secolul al XVIII-lea la nivel simbolic a depășit
întruparea sensurilor creștine devenind personificarea ideilor de patriotism, tradiție națională,
simbol al identității naționale. Dacă în Evul Mediu, stilul gotic era un mijloc de comuniune cu
eternitatea, atunci stilul neogotic al Timpului Nou devine mijlocul timpului de inițiere. Actualizând
semnificațiile naționale și etnice, aducând în prim plan legăturile politico-statice, neogoticul
devine „ultima încercare” care solicită integritatea culturii și istoriei europene.
Inițial, ca imitație romantico-estetică a antichității în uitarea simbolismului gotic actual,
neogoticul a trecut într-un alt nivel istoric în secolul următor. Reflectarea noii etape a fost realizată
de cărțile lui O. Pugin „Contraste” (1836), declarând stilul gotic vechi cu adevărat creștin și
național, și J. Reskin „Șapte lumini ale arhitecturii” (1849), unde autorul declară principiile de
bază ale neogoticului, printre care el numește: sacrificiu, adevăr, putere, frumusețe, viață,
memorie, ascultare. În această etapă, nu numai instituțiile guvernamentale (inclusiv Palatul
Westminster reconstruit după incendiu) sunt construite în stil neogotic, ci și gări, universități,
clădiri private, precum și catedrale și primării. Anunțul ulterior al stilului național neogotic în
Anglia a fost asociat de cercetători cu apariția „erei îndoielii” (J. Crook), când în condițiile
revoluției industriale, criza credinței, răspândirea istoricismului și dezvoltarea studiilor medievale,
stilul gotic a fost perceput ca un mod de renaștere morală și etnico-culturală.
Proponenții stilului gotic au pus un accent deosebit pe priceperea individuală și măiestria
în construcții. De asemenea, s-a pus accentul pe o abordare foarte practică a proiectării, în care
utilitatea și confortul clădirii pentru ocupanți a fost un obiectiv important al proiectării.
Fiind întruchiparea arhetipului culturii europene, care a suferit transformări semantice în
cursul istoriei, rămânând totodată ca mijloc de autoidentificare a culturii europene, stilul gotic a
devenit acum organic ca suport raționalizat în cadrul eclectismului urban . Discursul modernist
consideră goticul un „simbol original” la nivelul întregii Europe. Răspândirea goticului în toată
Europa de Vest după nașterea ei în Abația Saint Denis a fost fenomenală. Pentru perioada 1180 -
1270 doar în Franța, au fost construite aproximativ 80 de catedrale, fără a conta restaurarea altor
tipuri de clădiri. Stilul gotic a măturat Europa „ca o ciumă” (în cuvintele lui J. Vasari).
Revendicarea celebră a Germaniei asupra acestui stil indică doar rudenia spiritului gotic și
germanic. Apelul la arhetipurile gotice în stilul neogotic al Angliei, care a perceput formele gotice
ca o chemare la idealul moral antropic care leagă națiunea engleză cu trecutul său istoric vorbește
despre aceeași relație.
Din fenomenele aceleiași serii, este necesar să se menționeze neogoticul în continentul
american, care a devenit un mijloc de auto-prezentare a burghezului american în demnitatea sa
prin implicarea tradiției europene. Reînnoirea gotică a începutului secolului al XX-lea în America
de Sud, care a avut loc în condiții etnopolitice specifice, a devenit o căutare atât a bazei asociației
civile, cât și a unei noi surse de inspirație pentru diverse biserici creștine. Comunitatea britanică,
care se străduia să marcheze tradiția culturală anglo-saxonă, a stabilit tonul afirmării modei sud-
americane neogotice. Prin urmare, inițial neogotic ca arhetip reanimat de origine teutonică sau
anglo-saxonă devine un simbol al arhitecturii creștine imaculate din trecut, apoi un marker al
statutului social, un burghez de succes și, în sfârșit, o imagine vizuală care afirmă prestigiul
afacerilor mari.
 Renașterea gotică și-a asumat conotațiile politice; cu stilul neoclasic „rațional” și „radical”
fiind considerat asociat cu republicanismul și liberalismul (așa cum se dovedește prin utilizarea sa
în Statele Unite și într-o măsură mai mică în Franța republicană), renașterea gotică mai spirituală
și tradițională a devenit asociată cu monarhismul și conservatorism, care s-a reflectat în alegerea
stilurilor pentru centrele guvernamentale reconstruite ale Parlamentului Regatului Unit la Londra
și a Parlamentului din Ottawa.
 Pe lângă un teoretician puternic și influent, Viollet-le-Duc a fost un arhitect de frunte al
cărui geniu se afla în restaurare. El a crezut în restaurarea clădirilor într-o stare de finalizare pe
care nu ar fi știut-o nici când au fost construite pentru prima dată, teorii pe care le-a aplicat
restaurărilor sale din orașul Carcassonne și la Notre-Dame și Sainte Chapelle din Paris. În acest
sens, el s-a diferențiat de omologul său englez Ruskin, întrucât a înlocuit adesea munca pietrelor
medievale. Abordarea sa rațională asupra goticului a contrastat cu originea romantică a renașterii.
În acest sens putem observa deja o apropiere de noua interpretare a stilului original din istorie,
concretizat ma târziu prin munca revolutionarilor în mișcarea Arts&Crafts.
Acest fenomen a început să se prăbușească la mijlocul secolului al XIX-lea, deoarece au
fost ridicate structuri mari prefabricate, cum ar fi Palatul de cristal din sticlă și fier și curtea vitrată
a Muzeului Universității Oxford, care păreau să întruchipeze principiile gotice prin fier. Între 1863
și 1872 Viollet-le-Duc și-a publicat ”Entretiens sur prive architecture”, un set de modele îndrăznețe
pentru clădiri care combinau fierul și zidăria. Deși aceste proiecte nu au fost realizate niciodată,
acestea au influențat mai multe generații de designeri și arhitecți, în special Antoni Gaudí din
Spania și, în Anglia, Benjamin Bucknall, cel mai important adept și traducător englez al lui Viollet,
a cărui capodoperă a fost Woodchester Mansion.

Flexibilitatea și rezistența proiectanților neogotici eliberați de fontă pentru a crea noi forme
structurale gotice imposibile în piatră, ca în podul din fontă a lui Calvert Vaux din Central Park,
New York. Vaux implică forme deschise obținute din arcade gotice și filigranație pentru ferestre,
pentru a exprima izvorul și sprijinul podului de arhivare, în forme flexibile.
Unii arhitecți au persistat să folosească filigranația neogotică ca ornament peste un schelet
de fier de dedesubt, de exemplu în zgârie-nori din clădirea York Woolworth din 1913 a lui Cass
Gilbert din New și în Raymond Hood din 1922 Tower Tribune din Chicago. Dar, în prima jumătate
a secolului, neogoticul a devenit înlocuit de modernism. Unii din Mișcarea Modernă au văzut
tradiția gotică a formei arhitecturale în totalitate în termenii „expresiei cinstite” a tehnologiei
vremii și s-au văzut drept moștenitorul drept al acestei tradiții, cu ramele dreptunghiulare și grinzile
de fier expuse.

York Woolworth Tower Tribune

 Critici precum scriitorul John Ruskin și arhitectul Augustus Welby Northmore Pugin s-au
plimbat împotriva acestor probleme de industrializare. Ei au contrastat viciile sale cu epoca gotică
dinainte de Renaștere, pe care au văzut-o ca o perioadă idilică de timp de evlavie și standarde
morale înalte, precum și un mediu sănătos, verde. Atât pentru Ruskin, cât și pentru Pugin, a existat
o asociere puternică între moralitatea unei națiuni și forma arhitecturii sale, iar goticul pentru ei
simboliza apogeul dezvoltării umane. De asemenea, a existat un contrast și în valorile dintre
arhitectura proaspetei industrializări (chiar si cea neoclasică) și Arts&Crafts. Arts&Crafts se baza
pe un parteneriat între designer și meșter, în care meșterul era foarte respectat alături de artist și
arhitect. Există o preocupare mai mare pentru egalitate și o preocupare pentru îmbunătățirea
calității vieții pe care o clădire ar putea să o asigure ocupanților săi. Charles Voysey, de exemplu,
a avut mare grijă la proiectarea cazării servitorilor în casele sale pentru a se asigura că au lumină
și spațiu bune, crezând că ar fi rușinos ca orice om să aibă servitorii săi în spații de cazare sărace.
În opoziție, celălalt tip de arhitectură este văzută ca fiind construită prin munca sclavilor sau, în
vremurile mai recente, prin sclavi salariați.

În 1836-37, a scris Poezia arhitecturii, publicată în Revista de arhitectură a lui Loudon.

Aceasta a fost un studiu privind căsuțele, vilele și alte locuințe care s-au centrat în jurul unui
argument universal acceptat potrivit căruia clădirile ar trebui să fie prietenoase cu mediile locale
și ar trebui să folosească materiale locale. Pentru Ruskin, goticul era arhitectura meșteșugarilor
liberi, el era împotriva arhitecturii clasice datorită scopului său de perfecțiune și a cerințelor sale
față de bărbații care erau obligați, ca sclavi să o construiască. Munca lor fiind o activitate naturală
și nobilă, în care rezultatul ar putea să nu aibă o finisare perfectă a mașinii, dar a fost o creație
cinstită. Această noțiune de imperfecțiune naturală și onestă a fost numită „Savageness” și a fost
foarte influentă în mișcarea Arts&Crafts. De asemenea, Ruskin credea că, în loc să urmeze stilul
rigid, omul ar trebui să dicteze modul în care au fost proiectate clădirile, iar meșterii ar trebui să
fie liberi să se adapteze și să se schimbe. Acest principiu al „Schimbării” a fost de asemenea o
influență importantă asupra gândirii Arts&Crafts.
Pugin, Născut la Londra, a fost propagandist și designer gotic, fii săi E.W. Pugin și Peter
Paul Pugin și predecesorul său, Augustus Charles Pugin (tatăl), au fost producători de cărți cu
specific gotic, precum și exemple de arhitectură neogotică. Viziunea sa nu a fost aplicată doar pe
un singur domeniu de proiectare. Din practica arhitectonică a lui Pugin care l-a determinat să
producă vitralii, articole metalice, textile și bijuterii. . După conversia sa la catolicism roman, în
1835, campania de propagandă a lui Pugin a început cu publicarea, Contraste (1836), oferind
expresie arhitecturală prin comparație medievală cu clădiri moderne inspirate, clasic, de unitatea
și bunătatea Evului Mediu. El a susținut că, întrucât goticul era o expresie a unei societăți romano-
catolice, numai o astfel de societate putea produce un gotic adevărat și a continuat în „Adevăratele
principii ale arhitecturii punctuale sau arhitectură creștină” (1841) să explice goticul ca fiind un
rațional pe care l-a anunțat acolo în două mari reguli de proiectare,definind natura reală a
goticului. Acestea două aveau să devină unele dintre cele mai importante influențe asupra mișcării
Arts&Crafts. În primul rând, nu trebuie să existe caracteristici despre o clădire care să nu fie
necesare pentru comoditate, construcție sau proprietari. În al doilea rând, toate ornamentele ar
trebui să facă parte din construcția esențială a clădirii. Arhitectura Arts&Crafts a urmat aceste
principii, permițând funcției clădirii și activităților din cadrul acesteia să determine forma
exterioară și construcția, lăsând în afară ornamentațiile excesive.
 Contribuția importantă a arhitecților precum Pugin și Voysey provine din implicarea lor în
proiectarea mobilierului și decorațiunii. Aceștia și-au continuat interesul după ce structura clădirii
a fost completă și au urmat în designul interior și arta decorativă. Acest interes dincolo de
arhitectură s-a dezvoltat la începutul istoriei mișcării neogotice, când arhitecții nu au putut găsi
tipul potrivit de mobilier care să se potrivească noului stil al clădirilor pe care le proiectaseră. Nici
mobilierul disponibil de la producătorii de la acea vreme și nici mobilierul antic care ar putea fi
achiziționat nu se potrivește cu noile stiluri, astfel încât arhitecții au conceput mobilier și accesorii
pentru a se potrivi cu clădirile și interioarele pe care le-au creat. Acești arhitect-designeri și-au
lăsat amprenta personală asupra celor mai mici detalii ale designului din interiorul și din exteriorul
clădirii. Pe lângă faptul că includ design-uri pentru mobilă, ei au conceput adesea lustre, tapetul,
uși și chiar cheile, zăvoarele pentru ferestre, soneriile și ceasurile. Nu putem ști dacă acest fenomen
a avut un omolog intenționat în cadrul Arts&Crafts, dar prin preocuparea inițială pentru mobilier
este dezvoltată și mișcarea lui William Morris, făcându-se legătura între promotori prin atenția
deosebită către detalii umanizatoare, care au unspecific aparte pentru fiecare individ.
 John Ruskin a atacat arhitectura clasică datorită scopului său perfecționist și a cerințelor
sale față de bărbații care erau obligați, ca sclavi să o construiască. Pentru Ruskin, goticul era
arhitectura meșterilor liberi. Munca lor fiind o activitate naturală și nobilă, în care rezultatul ar
putea să nu aibă o finisare perfectă a mașinii, dar a fost o creație cinstită. Această noțiune de
imperfecțiune naturală și onestă a fost numită „Sălbăticie” și a fost foarte influentă în mișcarea
Arts&Crafts. Ruskin credea, de asemenea, că nevoile umane ar trebui să dicteze modul în care au
fost proiectate clădirile, iar meșterii ar trebui să fie liberi să se adapteze și să se schimbe, decât să
urmeze un stil rigid. Acest principiu al „Schimarii” a fost, de asemenea, o influență importantă
asupra gândirii Arts&Crafts.

Neogoticul a reintrodus designul gotic în arhitectură, dar a introdus și toate elementele

decorative care au mers cu el. O nouă generație de meșteșugari au fost instruiți în ceea ce fusese
artele moarte. Artele decorative gotice s-au concentrat pe reprezentări bidimensionale ale
obiectelor naturale, mai degrabă decât pe o reprezentare realistă. Aceasta a fost într-adevăr o
revoltă împotriva producției de masă care a fost preluată în Marea Britanie. Revivaliștii gotici
credeau că o societate bazată pe meșteșugari era mai bună decât o societate bazată pe muncitori
mecanizați, dar necalificați. Mișcarea de Arts&Crafts a fost o continuare a acestei idei. În timp ce
designerii neogotici s-au concentrat pe recrearea exactă a desenelor medievale, noua generație de
designeri a căutat să ia spiritul artizanului gotic și să îl aplice designului contemporan lor. De
asemenea, ei s-au concentrat pe reprezentarea obiectului mai degrabă decât pe descrierea lui, dar
nu erau legați de trecut.

Unul dintre primele exemple ale stilului de renaștere care a precedat mișcarea Arts&Crafts
a fost Curtea Medievală la Marea Expoziție din Londra, în 1851. Dedicată în întregime secolelor
al XIII-lea și al XIV-lea, expoziția Curții Medievale a prezentat broderii, vitralii, dale pictate vase
din argint și auriu, lucrări de fier, ecrane și lămpi. Proiectată aproape în întregime de Augustus
Pugin, expoziția a fost descrisă de ilustratorul londonez ca „sugerând plinătatea frumuseții și a
caracterului, ... ale designului medieval”.Până la următoarea expoziție din 1862, expozițiile unei
noi companii, Morris, Marshall și Faulkner & Co, au fost incluse, dar nu au fost deosebit de
binevenite, potrivit Building News: ”Lucrările lor sunt aproape perfecte, atârnările lor, suportul lor
de muzică, canapeaua, cuferele lor se potrivesc tuturor famililiilor care s-ar putea trezi brusc după
un somn de patru secole și care se mulțumea să plătească prețuri enorme în mod corespunzător
pentru a furniza un hambar .. .dar nu sunt mai adaptate la dorințele oamenilor vii decât armura
medievală ar fi războiului modern ... ”
 William Morris s-a născut într-o familie înstărită, care
a locuit de ceva vreme la Woodford Hall, la marginea Epping
Forrest, „o lume care nu s-a schimbat foarte mult de sute de
ani”. Peter Davey relatează modul în care tânărul Morris își
călărea poneiul prin pădure, uneori îmbrăcat într-un costum
special de armură și creează o imagine a unui stil de viață idilic
și aproape medieval pentru tânărul Morris. Pictura de Gerald
Moira de vizavi arată o viziune romantică a epocii medievale.

Iubirea lui Morris pentru frumusețea medievală a fost

favorizată în timpul său la universitatea Oxford, care în multe
privințe s-a schimbat puțin încă din secolul al XV-lea. Morris
s-a antrenat ca arhitect în studioul gotic din George Street, apoi
ca artist cu pre-Rafaeliții. Când, în 1857, a avut nevoie de
mobilă pentru a-și amenaja propriul studio în Londra, i s-a părut
că pentru a picta imagini înalte, trebuie să locuiască în medii
congeniale cu mobilierul decent. Întrucât nimic nu era disponibil care să-i satisfacă aspirațiile, el
a decis că trebuie să îl facă singur. Desenele sale au fost realizate de un tâmplar local și apoi
decorate de pictorii pre-Rafaeliți, prietenii săi Rossetti și Burne-Jones. Astfel s-a născut primul
mobilier Arts&Crafts.

Arhitectura mișcării a respectat regula că noile clădiri ar trebui să se integreze cu mediul

înconjurător, iar eliberarea de stilurile istoricești a fost crucială. Proiectele au fost dictate de
funcție, iar stilurile vernaculare de arhitectură și materiale locale au fost extrem de respectate.

În 1859, Morris i-a comandat lui Webb un proiect pentru o casă pentru familia sa din
Londra, numită în mod corespunzător „Casa Roșie” datorită culorii profunde a cărămizii și țiglei
în stil gotic, care a fost construită în Bexley Heath în Kent. . La construirea casei, fiecare cărămidă
și țiglă a fost selectată și așezată cu grijă pentru a da variații de culoare și pentru a evita impresia
oricărei uniformități mecanice. Designul interior a inclus picturi murale de Burne-Jones și Rossetti
și mobilier masiv conceput de Webb și de Morris. Acoperișurile sale abrupte, planul asimetric în
formă de L și streașinele suprapuse reamintesc de stilul gotic, cărămida introducând o atingere
simplă, prietenoasă, care contribuie la recunoașterea generală a acesteia ca primă clădire Arts &
Crafts. Locuințele, văzute de practicienii Arts&Crafts ca o barieră împotriva condițiilor dure de
industrializare, un paradis spiritual regenerativ și locația unității familiale tradiționale, au devenit
tipul de clădire cel mai asociat cu mișcarea.
 În arhitectură Arts&Crafts nu a evoluat într-un stil specific de clădire, dar putea fi observată
într-o multitudine de tulpini. Întruchiparea constructiilor Arts&Crafts ar putea fi clasicul bungalow
American, locuința stufoasă, cutioasă, unifamiliară, de una sau două etaje, cu un pridvor
proeminent, recunoscut printr-un acoperiș cu șipci, cu streașini largi, suprapuse, susținute de grinzi
groase. Atât în Marea Britanie, cât și în Statele Unite, estetica simplificată, nefinisată și necioplită
a Arts&Crafts poate fi văzută amestecată cu o varietate de preferințe stilistice - Regina Anne,
Eastlake, Tudor Revival, Stilul Stick, Renașterea colonială spaniolă, iar Renașterea gotică fiind
cea mai proeminentă. În Marea Britanie, Garden City Movement și orașe de companie, cum ar fi
Port Sunlight, au folosit adesea astfel de stiluri „hibride” bazate pe Arts&Crafts în design-urile
pentru locuințe.

O casă în stil Arts&Crafts este de obicei foarte simetrică și joasă la pământ.

Acestea sunt concepute pentru a utiliza spațiul eficient și economic, iar prin natura lor
necesită puțină întreținere, dacă este bine planificata. Adesea au mai multe coșuri de fum
și un „acoperiș adăpostitor” foarte proeminent. Ferestrele sunt abundente, dar adesea
alcătuite din panouri mici, traversele de pe acoperiș și grinzile din interiorul casei sunt
adesea expuse într-o asemenea casă. Un element cheie al acestui stil de design este
creșterea mobilierului încorporat. Mișcarea a adus un val de rafturi de cărți încorporate,
scaune pentru ferestre și dulapuri care se simțeau personalizate pentru casă și se
potriveau perfect designului. Adesea se gasea un șemineu foarte mare care a centrat
spațiul de locuit deschis și a acționat ca punct focal pentru încăpere. Porțile erau
proeminente, este rar să găsești o casă în stilul Artelor și Meseriilor, fără un pridvor
evident echipat cu coloane proeminente. Veranda este de obicei limitată la zona ușii din
față, dar uneori se va înfășura în jurul casei. Locuințele aveau planuri de podea deschise
larg, un contrast accentuat cu camerele înrădăcinate și segmentate ale caselor în stil
victorian care au venit înainte. Din nou, în efortul de a respinge perioadele de proiectare
care au venit înainte, casele au fost realizate din elemente naturale. Utilizarea
materialelor locale a fost încurajată și vom observa adesea utilizarea de piatră reală,
cărămidă și lemn în toată casa. Găsim, de asemenea, caracteristici de lucrări fine în toată
casa, cum ar fi prelucrarea metalelor cioplite și utilizarea de cupru autentic și bronz.
Designerii și meșterii s-au mândrit cu munca lor și astfel o casă de arte și meserii se va
simți adesea bine făcută și bine gandita.

De la neogotic putem observa importante influențe în mișcarea Arts&Crafts. Primul lucru

este importanța deosebită acordată meșteșugarilor creativității și faptul că munca ar trebui să aibe
o insemnătate în sine. Al doilea este accentual pe designul creativ și importanța scopului și a
funcționalului mult mai mare decât a decorației. Cu toate acestea rezultatele decorative ale
arhitecturii erau deosebit de variate și frumoase. Al treile lucru este integritatea și onestitatea
construcției care se bazează pe frumusețea naturală a materialului utilizat. În termini de design
influențe importante are perspectiva in care structura ar trebui să fie expusă pentru ca
ingeniozitatea creării și menținerii structurii să poată fi admirate și apreciate în sinceritatea lor.
Decorațiunea se bazeaza în mare parte pe frumusețea naturală a materialului și pe manufacturarea
cu forme organice reflectând indemânarea în munca dumenzeiască a creației integrale a meșterului.
 In conclzie curentul Arts&Crafts se bazează pe readucerea umanizării în obiectele de
arhitectură, prin individualizarea fiecărei parți și perceperea ei ca parte specială într-un întreg și
nu doar o piesă produsă pe bandă rulantă, identică cu celelalte, care devine plictisitoare în
incercarea ei de a fi perfectă. Cunoscând că perfecțiunea nu există în această lume este o ipocrizie
să mimăm atingerea ei, bineînțeles putem tinde către ea, dar rezultatul nu va fi atinge profunda
satisfacție dată de smerenie. Aceste principii dezvoltate de criticii care au aderat la miscarea
neogotică reprezintă pilonii noului curent menționat anterior,considerat revoluționar la vremea sa.
In contemporaneitate este întalnit acest simț al veridicității și exprimării frumosului prin
imperfecțiune și disticția creată între părți ale întregului, însă este un demers artificial care
urmărește în mod superficial autenticitatea arhitecturii prin simularea adevărului, obicei răsfrâns
asupra arhitecturii, dar care are o bază profund sufletească, folosind arhitectura ca un mod de
exprimare a tendințelor interioare ale societății, în același mod definesc Rusking și Pugin stilul
gotic ca fiind reflexie a stării omului. Cu alte cuvinte proiectăm ceea ce suntem.
Bibliografie:
 „The stones of Venice” John Ruskin
 „Șapte lumini ale arhitecturii” John Ruskin
 „Contrasts” A.W.N. Pugin
 “God's Architect: Pugin and the Building of Romantic
Britain” Rosemary Hill
 “The true principles of pointed or Christian architecture”
A.W.N. Pugin
 https://www.theartstory.org/movement/arts-and-
crafts/history-and-concepts/
 https://www.saxoprint.co.uk/blog/gothic-revival-arts-crafts
 https://www.quora.com/Is-modern-architecture-as-beautiful-
as-the-Gothic-cathedrals-of-old
 https://www.nationaltrust.org.uk/red-house/features/the-arts-
and-crafts-movement-at-red-house
 https://www.wallswithstories.com/architecture/the-arts-and-
crafts-movementa-bridge-between-traditional-victorian-and-
the-modern-movement.html
 https://www.musee-orsay.fr/en/events/exhibitions/in-the-
museums/exhibitions-in-the-musee-dorsay-more/article/the-
gothic-revival-architecture-and-decorative-arts-in-victorian-
england-
4271.html?S=&tx_ttnews%5BbackPid%5D=649&cHash=29
d8ccaaa2&print=1&no_cache=1&
 https://www.nationaltrust.org.uk/features/what-does-gothic-
revival-mean
 https://world-science.ru/en/article/view?id=33452
 https://artscrafts.org.uk/ac/roots/pugin.html