Cultura muzicală a secolului XIX. fenomene artistice diverse, pline de evenimente și vibrante.

Arta
spectacolului, creativitatea compozitorului, tradițiile vieții concertiste, înfățișarea în sine a orchestrei și a
instrumentelor muzicale - totul se schimbă, se transformă, ia noi forme sub influența esteticii
romantismului, care determină nu numai tendințele de frunte în artă, ci și exprimă direct atitudinea unei
persoane luminate din acea vreme. S-au spus și s-au scris multe despre romantism, ne vom limita doar la
câteva explicații necesare.

Înlocuind clasicismul, romantismul, de fapt, a reflectat o schimbare în vechea ordine socială. Epoca
clasicismului cu plăcerile sale rafinate, farmecul capelelor curții - irevocabil un lucru al trecutului, alături de
aristocrații clanului săraci, castelele feudale antice și ordinea lor tradițională vechi de secole. Ieșind din
zidurile palatelor, moșiilor și moșiilor nobilimii europene, muzica a căpătat o putere și putere inedită,
strălucire și virtuozitate, dar în același timp, sofisticare și senzualitate, penetrare și sentimentalitate. „În
sensul cel mai apropiat și cel mai semnificativ, romantismul nu este altceva decât lumea interioară a
sufletului unei persoane, viața cea mai interioară a inimii sale”, a scris V. G. Belinsky. „Sfera lui, așa cum am
spus, este întreaga viață sinceră interioară a omului, acea viață misterioasă a sufletului și inimii, de unde
toate aspirațiile vagi spre cele mai bune și cele mai înalte crește, încercând să găsească satisfacție în
idealurile create de fantezie.

Cu toate acestea, în muzica secolului XIX. Se pot distinge cel puțin două tipuri de eroi romantici. Unul dintre
ei este o persoană extraordinară în circumstanțe neobișnuite, un erou excepțional, care se ridică deasupra
obișnuitului („Obișnuitul este moartea artei”, presupunea V. Hugo), adesea inclus în muzica din opere
literare: Manfred, Child Harold, Faust, Wotan, Samson. eroi ai pânzelor simfonice ale lui Berlioz, Liszt,
Wagner, Ceaikovski. Un alt tip de erou apare în lucrările lui Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms - un
om sensibil, chiar sentimental, care experimentează în mod subtil și profund conflicte de viață, strâns legate
de natură, imagini poetice ale pământului natal, dar întotdeauna sfera emoțională a unui erou romantic
este ascuțită, hipertrofiată, plină de pasiuni furioase, adesea cu suferință inedită sau patos entuziast. Muzica
romantică, de regulă, este conflictuală, pătrunsă de contraste vii, care creează o bogăție dramatică a
sunetelor și a sensurilor multistratate. Aceasta nu înseamnă Cu toate acestea, faptul că stilistica autorului
chiar și a celor mai mari maeștri ne permite să o clasificăm necondiționat prin apartenența la stilul „mare”:
orice clasificare este vie Procesul creativ este adesea foarte condiționat. Mai mult, începutul secolului XIX. a
încorporat mai multe stiluri, iar o anumită diferențiere nu este întotdeauna posibilă. La sfârșitul secolului,
lumea a auzit marile opere ale lui Joseph Haydn: oratorii „Anotimpurile” și „Creația lumii”.

Teatrul

Teatrul din secolul al XIX-lea descrie o gamă largă de mișcări în cultura teatrală a Europei și a Statelor Unite
din secolul al XIX-lea. În Occident, acestea includ romantismul, melodrama, piesele bine făcute de Scribe și
Sardou, farsele lui Feydeau, piesele problematice ale naturalismului și ale realismului, operele lui Wagner
Gesamtkunstwerk, piesele și operele lui Gilbert și Sullivan, comediile de la Wilde, Simbolism și proto-
expresionism în lucrările târzii ale lui August Strindberg și Henrik Ibsen.
Câteva inovații tehnice importante au fost introduse între 1875 și 1914. În primul rând, iluminatul pe gaz și
apoi luminile electrice, introduse în 1881 la Teatrul Savoy din Londra, au înlocuit lumina candelelor. Etapa
liftului a fost instalată pentru prima dată în Opera din Budapesta în 1884. Aceasta a permis ca secțiunile
întregi ale scenei să fie ridicate, coborâte sau înclinate pentru a da adâncime și niveluri scenei. Etapa
rotativă a fost introdusă în Europa de Karl Lautenschläger la Teatrul Residenz din Munchen, în 1896.

Melodrama

1. Începând în Franța, după ce monopolurile teatrului au fost abolite în timpul Revoluției Franceze,
melodrama a devenit cea mai populară formă teatrală a secolului. Melodrama însăși poate fi urmărită în
Grecia clasică, dar termenul mélodrame nu a apărut până în 1766 și a intrat doar în uz popular cândva după
1800. Piesele lui August von Kotzebue și René Charles Guilbert de Pixérécourt au stabilit melodrama ca
forma dramatică dominantă a timpurii Secolul al XIX-lea. Kotzebue, în special, a fost cel mai popular
dramaturg din vremea sa, scriind peste 215 piese care au fost produse în întreaga lume. Piesa sa The
Stranger (1789) este adesea considerată piesa melodramatică clasică. Deși monopolurile și subvențiile au
fost reintegrate sub Napoleon, melodrama teatrală a continuat să fie mai populară și a adus în audiențe mai
mari decât dramele și operele sponsorizate de stat.

2. Melodrama a implicat o multitudine de efecte scenice, un stil de actiune intens emoțional, dar codificat și
o tehnologie scenică în curs de dezvoltare care a avansat artele teatrului spre o scenă extrem de
spectaculoasă. De asemenea, a fost o formă de teatru extrem de reactivă, care se schimba și se adapteaza
constant la noi contexte sociale, noi audiențe și noi influențe culturale. Aceasta, în parte, ajută la explicarea
popularității sale de-a lungul secolului al XIX-lea. David Grimsted, în cartea sa Melodrama Unveiled (1968),
susține că; Convențiile sale erau false, limbajul înțepenit și obișnuit, stereotipurile personajelor sale,
moralitatea și teologia simplificărilor sale brute. Cu toate acestea, apelul său a fost grozav și de înțeles. A
luat viața oamenilor în serios și a acordat mult respect pentru puritatea și înțelepciunea lor superioară. [...]
Iar pilda sa morală s-a luptat pentru a reconcilia fricile sociale și neplăcerea vieții cu încrederea perioadei în
standarde morale absolute, progresul ascendent al omului și o providență binevoitoare care a asigurat
triumful purului.

3. În Paris, secolul al XIX-lea a cunoscut o înflorire a melodramei în numeroasele teatre care erau situate pe
popularul Boulevard du Crime, în special în Gaîté. Toate acestea trebuiau să se încheie, însă, când
majoritatea acestor teatre au fost demolate în timpul reconstrucției Parisului de către baronul Haussmann
în 1862.

4. Până la sfârșitul secolului al XIX-lea, termenul melodrama se restrânsese aproape exclusiv la un gen
specific de divertisment în salon: cuvinte mai mult sau mai puțin ritmate (adesea poezie) - nu cântate,
uneori mai mult sau mai puțin adoptate, cel puțin cu o structură dramatică sau complot - sincronizat cu un
acompaniament de muzică (de obicei pian). A fost privit ca un gen pentru autori și compozitori de statură
mai mică (probabil și motivul pentru care practic nu se mai amintesc realizări ale genului).

Romantismul în Germania și Franța

1.În Germania, a existat o tendință spre exactitatea istorică a costumelor și a decorurilor, o revoluție în
arhitectura teatrului și introducerea formei teatrale a romantismului german. Influențați de tendințele
filosofiei secolului al XIX-lea și ale artelor vizuale, scriitorii germani au fost din ce în ce mai fascinați de
trecutul lor teutonic și aveau un sentiment tot mai mare de naționalism romantic. Piesa de teatru a lui
Gotthold Ephraim Lessing, Johann Wolfgang von Goethe, Friedrich Schiller și alți dramaturgii Sturm und
Drang au inspirat o creștere tot mai mare în sentiment și instinct ca ghizi către comportamentul moral.
Romanticii împrumutați din filozofia lui Immanuel Kant pentru a formula baza teoretică a artei „romantice”.
Potrivit Romanticilor, arta are o semnificație enormă, deoarece oferă adevărurilor eterne o formă concretă
și materială pe care aparatul senzorial limitat uman o poate înțelege. Printre cei care s-au numit romantici în
această perioadă, August Wilhelm Schlegel și Ludwig Tieck au fost cei mai profund preocupați de teatru.
După un timp, romantismul a fost adoptat în Franța cu piesele lui Victor Hugo, Alexandre Dumas, Alfred de
Musset și George Sand.

2. Prin anii 1830 în Franța, teatrul s-a luptat împotriva Comédie Française, care a menținut o puternică
ținută neo-clasică asupra repertoriului și a încurajat modurile tradiționale de scriere tragică în noile
dramaturgii. Această ciocnire a culminat cu premiera din Hernani de către Victor Hugo, în 1830. Mulțimea
mare care a participat la premieră a fost plină de conservatori și cenzori care au huiduit spectacolul pentru
neaspectarea normelor clasice și care au vrut să oprească performanța să meargă înainte. Dar Hugo a
organizat o armată romantică de scriitori boemi și radicali pentru a se asigura că deschiderea va trebui să
meargă înainte. Revolta rezultată a reprezentat respingerea în Franța a tradițiilor clasice și triumful
romantismului.

3. Cu toate acestea, până în anii 1840, entuziasmul pentru drama romantică s-a stins în Franța și un nou
„Teatru al Simțului Comun” l-a înlocuit.

Teatru în Marea Britanie

1.În primii ani ai secolului al XIX-lea, Legea licențelor a permis să fie afișate piese la doar două teatre din
Londra în timpul iernii: Drury Lane și Covent Garden. Aceste două teatre imense conțineau două cutii regale,
galerii uriașe și o groapă cu bănci unde oamenii puteau veni și pleca în timpul spectacolelor. Poate cel mai
povestitor episod al popularității teatrului de la începutul secolului al XIX-lea este revolta teatrală a
prețurilor vechi din 1809. După ce Grădina Conventului a ars, John Philip Kemble, directorul teatrului, a
decis să crească prețurile în groapă, cutii și al treilea nivel. Membrii audienței au urât noul preț, care au
crezut că le-a refuzat accesul la un loc de întâlnire național și au dus la trei luni de revoltă, până când în cele
din urmă Kemble a fost obligat să își ceară scuze și să scadă din nou prețurile. [10] Pentru a scăpa de
restricții, teatrele care nu sunt brevete de-a lungul Strandului, precum Sans Pareil, au întrerupt scene
dramatice cu interludii muzicale și schiuri de benzi desenate după ce Lordul Chamberlain's Office le-a permis
să pună în scenă burlett-uri, ducând la formarea modernului West End. În afara zonei metropolitane a
Londrei, teatre ca Amfiteatrul Astley și Coburg au putut, de asemenea, să funcționeze în afara regulilor.
Popularitatea explozivă a acestor forme a început să facă sistemul de brevete să nu funcționeze, iar
granițele dintre cele două au început să se estompeze prin anii 1830 până când în sfârșit, Legea privind
licențele a fost renunțată în 1843 odată cu Teatrul Act. Parlamentul spera că acest lucru va civiliza publicul și
va duce la mai mult dramaturgie - în schimb, a creat o explozie de săli de muzică, comedii și melodramuri
senzaționaliste.
2. Percy Bysshe Shelley și Lord Byron au fost cei mai importanți dramatici literari ai vremii lor (deși piesele
lui Shelley nu au fost interpretate decât mai târziu în sec.) Shakespeare a fost enorm de popular și a început
să fie interpretat cu texte mai apropiate de original, întrucât rescrierea drastică a versiunilor de teatru ale
secolului al XVII-lea și al XVIII-lea a fost eliminată treptat în prima jumătate a secolului. Piesele de teatru ale
lui Kotzebue au fost traduse în engleză, iar A Tale of Mystery de Thomas Holcroft a fost prima dintre multe
melodramuri engleze. Pierce Egan, Douglas William Jerrold, Edward Fitzball, James Roland MacLaren și John
Baldwin Buckstone au inițiat o tendință către povești mai contemporane și rurale, preferând melodramele
istorice sau fantastice obișnuite. James Sheridan Knowles și Edward Bulwer-Lytton au stabilit o dramă
„gentilă” care a început să restabilească fostul prestigiu al teatrului odată cu aristocrația.

Teatru în Statele Unite

1.În Statele Unite, Philadelphia a fost centrul teatral dominant până în anii 1820. Acolo, Thomas Wignell a
înființat Chestnut Street Theatre și a adunat un grup de actori și dramaturgi care au inclus William Warren,
Susanna Rowson și Thomas Abthorpe Cooper, care ulterior a fost considerat actorul principal din America
de Nord. În debutul său după Revoluția americană, mulți americani au lamentat lipsa unei „drame native”,
chiar în timp ce dramaturgii precum Royall Tyler, William Dunlap, James Nelson Barker, John Howard Payne
și Samuel Woodworth au pus bazele unei drame americane separate. din Marea Britanie. O parte din
motivul lipsei pieselor originale în această perioadă poate fi aceea că dramaturgii au fost rar plătiți pentru
munca lor și a fost mult mai ieftin pentru manageri să adapteze sau să traducă lucrări străine. Tradiția a
afirmat că remunerația a fost în principal sub forma unei prestații de beneficii pentru scriitor în a treia
noapte de a alerga, însă mulți manageri ar fi purtat acest obicei prin închiderea pur și simplu a spectacolului
înainte de a treia reprezentație.

2. Cunoscut drept „Părintele dramei americane”, Dunlap a crescut urmărind piese date de ofițeri britanici și
a fost puternic imersat în cultura teatrală în timp ce locuia la Londra chiar după Revoluție. În calitate de
manager al teatrului John Street Theatre și Park din New York, el a readus în țara sa piesele și valorile
teatrale pe care le-a văzut. La fel ca mulți dramaturgi manageri din vremea sa, Dunlap a adaptat sau tradus
lucrări melodramatice ale francezilor de dramaturgii germani, dar a scris și 29 de lucrări originale, printre
care The Father (1789), André (1798) și The Italian Father (1799).

3. În perioada 1820–30, îmbunătățirile condițiilor materiale ale vieții americane și cererea tot mai mare a
unei clase de mijloc în creștere pentru divertisment au dus la construirea de noi teatre în New York,
Philadelphia, Boston și Washington, inclusiv în Catham Garden, Federal Street, Tremont , Grădina Niblo și
Bowery. În prima parte a acestei perioade, Filadelfia a continuat să fie principalul centru teatral: piesele de
teatru s-ar deschide deseori în Baltimore în septembrie sau octombrie înainte de a se transfera la teatrele
mai mari din Philadelphia până în aprilie sau mai, urmate de un sezon de vară la Washington sau Alexandria.
Cu toate acestea, rivalitățile și forțele economice mai mari au dus la o serie de falimente pentru cinci mari
companii de teatru în doar opt luni, între 1 octombrie 1828 și 27 mai 1829. Datorită acestui fapt și a
importului de interpreți de sistem de stele precum Clara Fisher, New York a luat ca oraș dominant în teatrul
american.

4. În anii 1830, romantismul a înflorit în Europa și în America, cu scriitori ca Robert Montgomery Bird
ridicându-se în prim plan. Deoarece romantismul a accentuat adevărurile eterne și temele naționaliste,
acesta se potrivește perfect cu identitatea națională emergentă a Statelor Unite. The Gladiator de la Bird a
fost bine primit atunci când a avut premiera în 1831 și a fost interpretat la Drury Lane din Londra în 1836 cu
Edwin Forrest în rolul lui Spartacus, The Courier proclamând că „America și-a demonstrat lungimea
capacitatea de a produce un dramaturg de cea mai înaltă ordine. " Tratând insurgența sclavilor din Roma
Antică, Gladiatorul atacă implicit instituția Sclaviei din Statele Unite prin „transformarea Antebelului în
rebeli neoclasici” [17]. Forrest va continua să joace rolul pentru peste o mie de spectacole în întreaga lume
până în 1872. După succesul colaborării lor timpurii, Bird și Forrest vor lucra împreună la premiere ulterioare
ale lui Oralloosa, Fiul Incașilor și Brokerul din Bogota. Dar succesul lui Gladiator a dus la dezacorduri
contractuale, Bird argumentând că Forrest, care făcuse zeci de mii din piesele lui Bird, îi datora mai mult
decât 2.000 de dolari pe care i-a fost plătit.