Arte Povera (artă literalmente sărcă) este o mișcare din arta modernă, ce a avut loc între

1967-1972 , in mai multe orase din Italia: Torino, Milano, Roma, Genova, Veneția,
Napoli, Bologna. Termenul a fost inventat de către criticul de artă italian Germano
Celant și a introdus în Italia, în perioada revoltelor de la sfârșitul anilor 1960, atunci
când artiștii au luat o atitudine radicală, incepand sa atace valorile de instituții
stabilite de guvern, industrie, și cultură.

Expoziția Im Spazio (Spațiul de Gânduri), curatoriată de Germano Celant și a avut loc la

Galleria La Bertesca în Genova, Italia, din septembrie -octombrie 1967, este
adesea considerata a fi începutul oficial al Artei Povera. Deși Celant a încercat să
cuprindă elementele radicale ale intreagii scene internaționale, termenul s-a
centrat în mod corespunzător pe un grup de artiști italieni care au atacat
mentalitatea corporativa, cu o arta de materiale si stilistica neconventionale.
Numele de artisti asociate cu mișcarea cele mai sonore sunt: Giovanni Anselmo,
Alighiero Boetti, Pier Paolo Calzolari, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Mario Merz,
Marisa Merz, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo
Pistoletto, Emilio PRINI și Gilberto Zorio.

Datorita utilizarii obiectelor găsite, în lucrările lor, si a viziunii ralicale, această tendintă din
arta italiană se datorează unor proto artiști Arte povera: Antoni Tapies, Alberto
Burri, Piero Manzoni și Lucio Fontana.

Arte Povera - " arta proastă " sau " artă săracă " - a fost cea mai importantă și influentă
mișcare de avangardă din Europa anilor ‘60. Acesta cuprinde munca a aproximativ
o duzină de artiști italieni căror trăsătură predilecta a fost utilizarea de materiale
banale, care ar putea evoca o vârstă pre-industrială, cum ar fi: pământ, pietre,
haine, hârtie și frânghii. Munca lor a marcat o reacție împotriva picturii abstracte
moderniste, care a dominat arta europeană în anii 1950, prin urmare, o mare parte
din activitatea grupului este sculpturală. Dar grupul a respins, de asemenea,
Minimalismul american, în special, prin ceea ce ei percepeau ca entuziasm pentru
tehnologie. În acest sens Arte Povera are ecouri post - minimaliste care a survenit
in arta americană din anii 1960. Dar, prin opoziția sa față de modernism și
tehnologie, precum și prin evocarea trecutului, a locului și a memoriei, mișcarea
este distinct italiană.
În plus față de opozitia fata de aspectul tehnologic al minimalismului american, artiștii
asociati grupării au respins, de asemenea, ceea ce ei percepeau ca raționalism
științific. Prin contrast, au evocat o lume de mit al cărei taine nu a putut fi ușor de
explicat. Sau au prezentat juxtapuneri absurde și comice, de multe ori de nou și
vechi, sau foarte procesate și pre-industriale. În acest fel, artiștii italieni au evocat
unele dintre efectele de modernizare, care au avut menirea de a distruge
experiențele traditionale și istorice, prin interesul împins mai mult decat vreodată
înainte, spre viitor.

Interesul Arte Povera în materiale " sărace" poate fi văzută ca fiind legat de Assemblage,
un trend internațional de anii 1950 și 1960 care au folosit materiale similare.
Ambele miscari au marcat o reacție împotriva picturii abstracte care a dominat arta
în acea perioadă. Ei au privit-o ca fiind prea restrictiva în emoție și de o exprimare
individuală, și de asemenea limitată la tradiția picturii. În schimb, ei au propus o
artă care a fost mult mai interesată de materialitatea fizică, de forme și materiale
împrumutate din viața de zi cu zi. Arte Povera ar putea fi deosebită de Assemblage
prin interesul său în moduri de exprimare cum ar fi performanța și instalatia,
abordări care au avut mai multe în comun cu avangardistii de dinainte de război,
cum ar fi Suprarealismul, Dada și Constructivismul.

Arte Povera a apărut deci ca urmare a declinului picturii abstracte, în Italia, și interesul
crecut fata de abordări de avangardă. În special, acest spirit pote fi urmărit la trei
artisti: Alberto Burri, a cărei pictură realizată din saci de pînză, a oferit un exemplu
de utilizare a materialelor sărace; Piero Manzoni, a cărui operă a prefigurat calități
de artă conceptuală, și care a reacționat împotriva abstractiei, și arta pictorului
informal Lucio Fontana, a cărei pictură monocroma a oferit un exemplu al puterii
artei, care se reduce la doar câteva elemente și se concentrează pe impactul său.

Tânărul critic și curator numit Germano Celant a inventat termenul de "arte povera " pentru
a descrie mișcările disparate în curs de dezvoltare, la momentul respectiv, cum ar fi
acțiunea (de artă), Land Art-tul si Arta Conceptuală. Aceste ultime două mișcări
erau înfloritoare în Statele Unite, în timp ce în Italia, doar câțiva artiști
experimentau arta ce se baza pe acțiune, influențată de performanța stradală
cunoscută sub numele de " teatru sărac”. În 1967 , Celant a publicat "Arte povera:
 Note pentru o Guerrilla" în Flash Art, prin care și-a exprimat pozitia politică în
relatie cu activitatea unor artiști italieni în curs de dezvoltare sau la mijlocul carierei,
cum ar fi Mario Merz, Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto, Giovanni Anselmo,
Luciano Fabro și Pier Paolo Calzolari. Artiștii italieni au fost afectati de faptul că
tânărul american Robert Rauschenberg a fost primul non - european care a
câștigat Marele Premiu atat de râvnit la Bienala de la Veneția în 1964. Spre
deosebire de Celant, artistii nu au fost la fel de interesati de arta politică așa cum
au fost de comunitatea nou-descoperită și de recunoașterea internațională pe care
termenul le-au adus. Scena de arta italiană a evoluat într-o etapă interesantă
pentru artiști din toată Europa și SUA. Acest climat a fost susținut de o nouă
generație de curatori si colectionari, cum ar fi Gian Enzo Sperone în Torino și
Ileana Sonnabend (care a fost responsabila pentru aducerea operei lui
Rauschenberg in Europa) în New York și Paris, care au promovat un schimb
internațional de expoziții, astfel încât arta contemporana a circulat de-a lungul
Statelor Unite și în orașele europene, cum ar fi Milano, Berna, Amsterdam și Paris.

Momentul nu putea fi mai bun, pentru că unul dintre factorii care au sprijinit scena artei
italiane a anilor '60 a fost moartea Minimalism american și a Pop Art -ului, și într-o
oarecare măsură, apicturii în sine. Pentru prima dată de la mișcarea futuristă, Italia
a devenit centrul de experimente impetuos, umanistă. În timp ce artistii americani,
cum ar fi Joseph Kosuth au aruncat mănușa cu arta conceptuală non-figurativă,
italienii au refuzat să renunțe la spațiile galeriilor, provocându-i cu instalații, cum ar
fi celebrul interventie a lui Kounellis ( Untitled [ 12 cai ] ), din1969, cu instalarea a
doisprezece cai vii în Galleria L' Atica din Roma. Alții, cum ar fi Mario Merz, cu
acele spații de referință de viață nomada, o serie de forme de igloo din metal,
tuburi de neon si diverse alte materiale. Deoarece activitatea poveristilor nu a
abandonat principiile de artă - un figurativ în mișcare, care în cele din urmă s-au
dovedit prea greu de susținut – ei au făcut apel la o foame de public - război
obositor pentru poetica artei.

La scurt timp după eticheta de "Arte Povera" galvanizat grupului, Celant luat o decizie
șocantă. El a renunțat la termenul de după patru ani și a părăsit lumea artei și
artiștilor. Pentru el, termenul nu a reușit în două privințe: prin provocarea aparitiei
 unei arte cu încărcătură politică și prin imposibilitatea de a defini corect/coerent
activitatea unui astfel de grup variat de artiști. (De fapt, Celant a inclus inițial si
artisti americani, precum Walter De Maria și Bruce Nauman) Artiștii italieni, cu toate
acestea, nu a subscris la ideologia lui Celant în primul rând, și au refuzat să
renunțe la identitatea lor de grup.

De-a lungul anilor, unii dintre ei au regretat această decizie, deoarece eticheta de Arte
Povera a devenit obiectul unor traduceri libere. Cuvântul "sărac" a fost prea de
multe ori accentuat peste cuvântul "artă", iar natura materialelor a umbrit
obiectivele și abordările care i-au distins de americani. De exemplu, Penone și
Merz au creat lucrări la scară umană direct în natură mai degrabă ca în cazul
terasamentelor monumentale ale lui Robert Smithson. Penone a respectat însă
meseria de sculptură tradițională și s-a distanțat de artiști conceptuali, crezând în
poezia artei și a naturii, ceea ce a condus la o serie de studii - primele lucrări
empirice cu privire la perceptia naturii.

Giuseppe Penone

Născut: 03 aprilie 1947 (66 de ani), Garessio, Italia

Penone locuiește în Torino și Paris, unde predă la Ecole des Beaux-Arts. El s-a născut în
Garessio, un mic sat de langa Alpii Maritimi, unde a inceput sa faca primele sale lucrări
experimentale cu natura. Pentru Penone, "spațiul " din satul lui, cu împrejurimile sale
împădurite, a reprezentat un amestec armonios de existenta umană și natură, spre
deosebire de orase cu planificarea lor rațională și clădiri copleșitor de spectaculoase. La
fel ca mulți artiști care lucrează cu materiale " sărace" , el a găsit inspirație în mediul
natural, sculpturile în piatra seculara și pământul. Penone a fost, de asemenea, influențată
de moștenirea lăsată de tatăl său (un om muncitor antrenat ca un sculptor tradițional),
care a moștenit la randul lui acel teren cultivat de către bunicul său 80 ani înainte.
Spoglia d'oro su spine d'acacia d'acacia (bocca), 2001-02. Silk, acacia thorns, glue, and gold, 30 panels,
100 x 120 cm.

Corpurile unei gradini

Peisajul cerbului, tehnica mixta, marmura neagra si film fotografic, 1990
The world belongs to you
În primul rând, vizitatorului i-au fost prezentate o prelevare de probe, de fotografii
documentare alb-negru și obiecte din experimente și intervențiile timpurii ale lui
Penone în natură. Mai multe imagini descriu încorporarea unor obiectele în
trunchiuri de copac. O lucrare din 1969 El scrie, citește, își amintește, prezinta
gestul artistului de a introduce într-un copac o pană de fier, inscripționata cu
alfabetul pe de o parte, și numere pe de altă parte. Penone se foloseste de litere
ca de un mesaj care ar putea fi ulterior citit în cazul în care s-ar sectiona copacul.
O altă fotografie înfățișează o mana turnata in bronz a artistului atașata unei
denivelari la nivelul unui trunchi de copac. Intitulata Alpii Maritimi: Va continua să
crească cu excepția acestui moment, 1968, lucrarea arată fascinația artistului
pentru relația dintre schimbările temporare la om și alte materii organice; acțiunea
sa va influenta încet copacul, deoarece va creste in jurul fragmentului bronz prins
într-o secțiune nodurosa a scoartei.

Penone explorează, de asemenea, masa corpului său, deoarece comunica cu copacii prin
intermediul ei și deplasează fluxurile din apa. El măsoară masa trupul sau in apă:
Alpii Maritimi: înălțimea mea, lățimea mea într-un flux, 1968, va urmării cresterea
copacului in jurul mainii, iar in Alpii Maritime: Arbore, sârmă de zinc, plumb,1968,
inconjoara cu o sârmă de metal coaja copacilor. Copacul se va adapta permanent,
prin creșterea în jurul firului.

Așa cum este adesea cazul actiunilor, fotografiile care documenteaza procesul acestora
devin de devin fetișizate atunci când sunt afișate într-un cadru instituțional. Totusi,
este mai bine să se prezinte o fotografie a evenimentului decât un bloc vechi de
ceară și sârmă ca in cazul actiunii Tapiserie, 1969, pentru a re-prezenta intențiile
dinamice originale ale artistului. Tappeto a fost o lucrare pe bază de timp, care a
folosit sârmă încălzită pentru a topi suprafața unui bloc de ceară în mai puțin de
două minute.

Seria Pentru a repeta pădurea, 1969-1997, reprezinta bine-cunoscutii lui copaci scobiti,
prin care Penone ajunge la aceste forme de copaci mai mici, in interiorul copacului
adult miezul arata ca un puiet. Acesti copacii sunt afișati în diferite configurații, în
funcție de locul de instalare, unii rezemati de perete, alții stau pe o baze de lemn
proprie etc.
Cedru din Versailles, 2002-03, este un cedru de cinci tone sculptat, pe care Penoe l-a
dobandit deoarece a cazut după o furtună masivă care a smuls zeci de copaci din
pădurea de la Versailles.

La sfârșitul anilor 1970 creatia lui a relevat interesul lui Penone în " desen automat ", prin
intermediul modelului de linii formate de suprafata pielii. Penone s-a folosit diverse
mijloace pentru a imprima pielea lui pe diverse suprafețe, ceea ce a dus la desen,
turnare, sau documentație fotografică. În alte lucrări , Penone experimenteaza
anumite fuziuni de forme vegetale cu reprezentări figurative, cum ar fi cartofi turnati
din bronz Cartofi, 1977. Elementele turnate includ in marime reala părți ale corpului
uman, o ureche, un nas care par sa se odihnească comic într-un morman de
cartofi reali. În Tigve, 1978-1979 , vom vedea o replica la nivel de dovleci de bronz
cu chipuri umane. Cinci ani mai devreme, Penone a mai fost interesat de
explorarea fotografica a propriului corp în lucrări , cum ar fi Dezvoltarea propriei
pieli - fereastra, 1970-1972 . Această lucrare constă într-o rețea de instantanee
alb-negru care acoperă un perete. Fiecare imagine reprezintă o parte a corpului
artistului presat de un panou de sticlă, care preia " desenul automat " din carnea
acestuia.

Câțiva ani mai târziu , Penone a produs Respirație, 1978 , o serie de vase de teracotă
reprezentând volumul de aer tras dintr-o singură suflare în corpul artistului. Lucrari
mai recente Penone în retrospectiva au inclus o instalație, draperii de perete, și ele
elemente turnate în bronz, marmură, aur și cristal.

Piele din frunze si să respire umbra, 1999 , a fost inclusa anterior într-o expoziție într-un
castel medieval din Avignon. Aici, instalarea a transformat pereții albi ai Pompidou
într-un spațiu primitor meditativ. Camera a fost căptușită cu frunze de dafin depuse
in structuri de sarma, iar sunetul ambiental a fost oprit de frunzele care au fost date
cu un parfum subtil. Penone ne seduce cu acest afișaj de fenomene senzuale. Prin
adăugarea unei perechi de plămânii umani turnati in bronz ce ies dinperetele opus,
el face trimiterea la concept evidenta, însă, prezenta elementului figurativ este
oarecum exagerat. Vedem acest lucru în alte lucrări, precum și in Pielea de aur a
spinilor Acacia, realizata in 2001-02, care cuprinde 30 de panouri de 100 x 120 cm.
Ea reprezinta o muncă enormă ce presupune lipirea pe 30 de bucăți de mătase
 spini de salcâm lipiti la suprafata. Spinii par dispersaii aleatoriu, dar de la distanță,
se poate distinge un desen pointilist de gură. Încă o dată, "cheia" figurativă apare
în centrul lucrului. O lucrare similară, la scară resusă, este mică foaie de aur (de
aproximativ 10 de centimetri pătrați), care prezintă gura închisă a artistului în relief
ca și cum ar fi lipită de metal.

Jannis Kounellis

Născut: 23 martie 1936, Piraeus, Grecia.

Jannis Kounellis este pictor, performer și sculptor grec ce lucreaza si traieste la Roma.
A studiat arta în colegiu în Atena până în 1956 și la Accademia di Belle Arti
din Roma.
Cărți: Kounellis, Abate: Instalare & performanță de artă
Din 1958-1960 a produs picturi cu litere, cifre, simboluri grafice și a marcajelor rutiere
suprapuse. Astfel de lucrări au demonstrat în mod clar scopul său de a transcende
poeticii artei informale și urmărește o linie de studiu, caracterizat prin preocupări
contradictorii cu, pe de o parte, simbolurile civilizației urbane și industriale în masă,
axandu-se pe alte valori precum cele primitive, fundamentale, individuale. Acestea
au fost frecvent exprimate prin participarea fizică artistului din 1960 în propriile
expoziții, transformându-le astfel în spectacole.

Munca Kounellis s-a dezvoltat ca un amestec spectaculos de pictură, colaje, instalații si

actiuni, concepute pentru a exprima tensiunile și înstrăinarea de societatea
contemporană, și multiplicitatea, obscuritatea și fragmentarea limbajelor. Din 1967
el a devenit asociat cu Arte povera, iar munca lui a fost caracterizata prin
juxtapunerea de obiecte, materiale și acțiuni care au fost atat fizic cat si cultural
antitetice unul altuia. Acestea au inclus materii prime, cum ar fi piatra, bumbacul,
lâna și cărbunele, precum și obiecte recuperate, cum ar fi rame, de pat, usi si, din
1969, rafturi. El a folosit, de asemenea, foc, fum și funingine în instalațiile sale și în
anul 1969 a adus cai vii în Galleria L' Attico în Roma, subliniind fragmentarea
societății moderne prin introducerea, de elemente de cultură tradițională.
Jannis Kounellis, Day Thirty Six (1936 -) Sackware, 2007
Luciano Fabro

Născut: 20 noiembrie 1936, Torino, Italia

Luciano Fabro a fost un sculptor italian, artist conceptual și scriitor asociat cu mișcarea
Arte Povera.
S-a stins din viata: 22 iunie 2007, Milano, Italia
Una dintre primele piese de Fabro a fost numit Tuburiplasate printre flori, 1963. A
fost o instalație site-specific concepută pentru o gradina milaneza, chiar dacă
acesta nu a fost prezentata acolo. Ea a fost făcuta din tuburi din oțel telescopice,
asemenea mai multor sale lucrări, pe care le pune în dialog cu legile fizice de bază
ale naturii. În 1965 ( Milano , Galleria Vismara ), a avut prima sa expozitie
personala, unde a combinat piese de oglindă cu linii spațiale. Din 1966, el a
început să facă lucrări performative.
În 1967, Fabro a participat la o expozitie de grup Arte Povera numita Im Spazio,
care a contimut lucrari de artiști, cum ar fi Giulio Paolini, Pino Pascali și Jannis
Kounellis. Dupa aceasta Fabro început să-si extindă discursul la materiale
neconventionale, cum ar fi marmura și mătăsurile. După 1968, a început o serie de
lucrari care pun in discutie Italia, cum ar fi Italia răsturnata, 1968. Aceasta lucrare a
fost inspirata de o forma geografică a țării.

Mario Merz

Născut: January 1, 1925, Milano, Italia

Mario Merz a fost un artist italian și soțul Marisei Merz.
Studii: Universitatea din Torino
Cărți: Ce se poate face?
Sa stins din viata: 09 noiembrie 2003, Torino, Italia

Merz părăsit subiectivitatea expresionismului abstract în favoarea deschiderii oferită de

arta în spațiul exterior: o sămânță sau o frunză în vânt devine un univers pe panza
lui. De la mijlocul anilor 1960, picturile sale enuntă repetat dorința de a explora
energiea transmisă de la organic la anorganic, o curiozitate care-l conduce crearea
de opere în care luminile de neon străpung obiecte de zi cu zi, cum ar fi o umbrelă,
o sticlă sau propria sa haină de ploaie. Fără a folosi vreodată obiecte de-a gata ca
"lucruri" (cel puțin în măsura în care Realistes Nouveau în Franța a făcut-o), Merz
și însoțitorii săi au trasat liniile directoare ale unei arte italiene reinoite.

Multe dintre instalațiile sale au fost accentuate cu cuvinte sau numere în neon. Numerele
utilizate sunt de obicei de forma progresiei Fibonacci, formule matematice pentru
modele de creștere găsite în mai multe forme de viață, inclusiv frunze, cochilii de
 melci, conuri de pin și piei de reptile. Acest procedeu este identificat ca o secvență
de numere în care orice număr dat este suma celor două numere pe care o preced
: . 1 , 1 , 2 , 3 , 5 , 8 , etc . Din 1969 Merz a angajat sirul lui Fibonacci în spectacole
și instalații a lungul carierei sale pentru a reprezenta principiile universale de
creație și de creștere.

În anii 1960, activitatea Merz cu energie, lumină și materie l-a amplasat în mișcarea Arte
Povera. În 1968 Merz a început să lucreze la celebrele sale igluri și a continuat de-
a lungul intregii sale vieți, dezvăluind caracteristicile preistorice și tribale ascunse
în structurarea spatială a acestora. El a văzut mobilitatea acestui adăpost tipic
nomad ca o metaforă ideal pentru conditia artistului.

Desi materialele folosite la constructa acestora s-au madificat de-a lungul timpului făcand
referire la diferite situatii existentiale, esenta a ceea ce ele au exprimat a ramas
aceeasi, fundamental acestea simbolizând un locus de nevoia umană de împlinire
și de interacțiune.

Ocazional, el chiar sculptat în marmură, iar în 2002 a a făcut cinci statui afișate la
ferestrele unei clădiri, la Bienala de Sculptură Internaționala din Carrara.

Merz a declarat: " Spatiul este curb, pământul este curb, totul pe pământ este curb" astfel
se justifică marile instalații curbilinii produse ulterior, cum ar fi cea de la
Guggenheim din New York. Aceste ultime lucrări sunt în mod oficial
transcendentale și neobișnuit de luminoase. Lucrarile sale site specific răscumpără
plictiseala unor spații cu o singură linie de neon, care îi servește ca sursă de
inspirație estetică. Percepția lui se bazează pe o curiozitate copilărească, lucrarile
sale înglobează această natură, împreună cu o universalitate stranie și versatilă.
Mario Mertz, Iglu de Giap
Piero Gilardi

Giuseppe Licari