Robert Wilson “artistul de teatru de avangardă’’.

1. Istoricul lui Robert Wilson……… 2-3 pag

2.Cariera (teatrul) ………………………………………………… 4 pag

3. Stilul lui Robert Wilson

1.Limbajul;

2. Mișcarea;

3. Lumina; ………………………………………………….. 5-9pag

4.Pasiune ………………………………… 10 pag

5. Principalele componente ale unei acțiuni teatrale de succes conform metodei Robert Wilson

Robert Wilson (născut la 4 octombrie 1941) este un regizor și dramaturg de teatru experimental
american, care a fost descris de The New York Times drept „artistul de teatru de avangardă” al
Americii - sau chiar cel mai important din lume ”. De asemenea, a lucrat ca coregraf, interpret,
pictor, sculptor, artist video și designer de sunet și iluminat. Wilson: s-a născut în micul oraș
Waco din Texas, unde la momentul nașterii sale erau mai puțin de 60 de mii de oameni și „unde
mersul la teatru era considerat un păcat, deoarece Avraam Lincoln însuși, președintele țării, a
fost împușcat în teatru ”, așa cum a spus regizorul într-un interviu. Copilăria acestei persoane
creative nu poate fi numită fericită. Tulburarea severă de vorbire motorie a lui Robert l-a făcut
subiectul ridicolului de către colegii săi. Profesorul și mentorul său , Bird Hoffman, l-au ajutat să
scape de un defect de vorbire - bâlbâială, în cinstea profesorului , elev-ul recunoscător a
deschis un laborator de teatru în podul unei case numită „Școala Păsărilor”(Byrd Hoffman din
Byrds), cu care a pus în scenă primele sale spectacole, lucrând foarte strâns cu copii negri și cu
deficiențe mintale. Robert Wilson este un realizator a cărui carieră poate nu a început
niciodată, deoarece a fost educat la Universitatea din Texas, studiind afaceri administrative.
Acesta este modul în care un mare regizor de scenă ar fi ocupat un post de stat dacă nu și-ar fi
dat seama de potențialul creativ al personalității sale. S-a întâmplat în 1962, când și-a dat
seama în cele din urmă că nu merge pe drumul său, încercând să studieze o știință
neinteresantă și plictisitoare, impusă de dorința părinților să-l facă o persoană educată. După ce
a renunțat la universitate în ultimul său an, Wilson intră la Institutul Pratt din New York, unde se
mută pentru a studia designul arhitectural. Dar nici pictura, nici arhitectura, nici teatrul modern
nu l-au impresionat la fel de mult ca familiarizarea cu baletul abstract al lui George Balanchine
și experimentele coregrafice ale lui Merce Cunningham. Nu se știe, de exemplu, că Wilson a
petrecut o lună într-o închisoare greacă în 1972 - în timpul juntei militare 1967-1974 - pentru
transportul unui gram de marijuana sau că a produs în mod independent majoritatea
producțiilor sale timpurii și s-a îndatorat , iar pe Broadway, în general, a eșuat lamentabil.
Interesul pentru detaliile biografiei lui Wilson este foarte important pentru a înțelege tot ceea
ce face: în copilărie și adolescență se ascund cheile stilului și metodelor sale.
In anii 1960, au apărut primele semne ale unui nou teatru: o ruptură de dramă, abandonarea
comploturilor si vizualizare maximă. Faima mondială i-a adus lui Robert piesa „Aspectul
surzilor”, care a fost publicată în 1971. Acest spectacol de șapte ore fără un singur cuvânt rostit
a fost recunoscut ca o operă remarcabilă de dramă modernă. Un spectacol la fel de
impresionant în 1974, intitulat O scrisoare către regina Victoria, a fost regizat de Robert Wilson.
Autistul Christopher Knouls a devenit personajul său principal la vârsta de treisprezece ani.

Wilson este cunoscut pentru depășirea granițelor teatrului. Lucrările sale sunt remarcate
pentru stilul lor auster, mișcarea foarte lentă și adesea la scară extremă în spațiu sau în timp.
“Viața și vremurile lui Iosif Stalin” a fost un spectacol de 12 ore sau În 1972 a realizat un proiect
colorat la scară largă cu participarea a jumătate de mie de actori care au dansat în aer liber.
Acțiunea a durat șapte zile și nopți pe șapte dealuri din Iran și a fost numită Muntele Ka și
Turnul de veghe.

Dumnealui se numește formalist și repetă în fiecare colț că urăște naturalismul, pentru că a

urca pe scenă este ceva artificial în sine. El preferă să nu spună povești în operele sale în sensul
lor tradițional și protestează, în orice mod posibil, împotriva interpretării obligatorii a acestui
sau acelui gest, mișcare, eveniment. Da, pentru mine, totul e artificial pe scenă. Urăsc realismul.
Realismul e o minciună. Nu stai pe o scenă cum stai pe stradă să aștepți autobuzul, pentru că e
o scenă. Nu stai în picioare pe scenă cum stai la un colț de stradă din același motiv: pe scenă
podeaua e altfel, greutatea corpului tău e altfel. Cum stai pe o scenă? Trebuie să înveți. Prima
lecție: învață să stai pe scenă! Totuși, Wilson nu ar fi el însuși dacă nu și-ar încălca propriile
principii: în 1990, de exemplu, a pus în scenă musicalul The Black Rider, în care actorii au jucat
cu adevărat ca oameni vii și nu ca statui în mișcare; bazata pe o poveste populară germană;
În teatrul post-dramatic, rolul actorului este nivelat, redus la actor, la funcția la care regizorul
indică cum să acționeze. Cu toate acestea, actorii lui Wilson sunt paradoxal mai liberi decât în
așa-numitul teatru psihologic. Wilson însuși repetă peste tot: „Nu le-am spus niciodată actorilor
ce să creadă”. Da , Restricțiile impuse de Wilson artiștilor interpreți sunt foarte stricte, cerințele
sunt foarte mari, nu poți respira, clipi și smuci mâna. Cu toate acestea, sunt niste cerințe
formale; oferă actorilor o formă în care sunt liberi să existe și să gândească așa cum vor; nu
trebuie să fie împovărați de circumstanțe și să se transforme într-o altă persoană.

Estetica japoneză este apropiată de creația mea, într-un fel.( spune robert
Wilson). În 1971, când am fost prima dată la Paris, francezii mi-au zis că sigur
cunosc teatrul japonez. Iar eu eram din Texas, eu nu știam nimic despre teatru în
general și despre teatrul japonez nici atât! Abia peste zece ani m-am dus în
Japonia, am stat aproape două luni și am simțit o afinitate cu estetica lor, din
teatru, din arhitectură, cu un fel de a gândi, cu filozofia zen, pe care cam
începusem chiar să o practic pe cont propriu.În mentalitatea germană, în
mentalitatea europeană, dacă montezi o piesă, o discuți la început, apoi vii cu
idei. Pornești de la o cauză: Femeia poartă o rochie roșie pentru că…; Tavanul și
camera strălucesc pentru că… Există o cauză pentru care fac ceva, iar această
cauză este textul.
Nu vreau să știu de ce fac. Dacă știu de ce, dar, dacă știu de ce, nu mai pot să fac
lucrul acela. Așa că lucrez foarte superficial. Lucrez la efect. Nu trebuie să am un
motiv, nu trebuie să am o cauză. E ciudat. Dacă începi cu cauza, vei face un efect.
Dar, dacă începi cu efectul, poți găsi o cauză, dacă vrei. Eu încep de la efect, ceea
ce contravine principiului din educația occidentală.
Mișcarea se poate întâmpla de dragul mișcării și are o anumită puritate. Nu
trebuie să fie legată de ceva ce are la bază o idee, un element de decor, o
interpretare. Mișcarea poate fi de dragul mișcării. S-a confirmat ideea aceasta
când am descoperit creația coregrafului George Balanchine, la începutul anilor
1970, când mă interesau cel mai mult baletele lui abstracte, unde nu existau nici
poveste, nici intrigă, ci doar mișcare, adică doar constructe bazate pe timp, ceea
ce era cu totul altceva decât ce se întâmpla în operă, pe Broadway și în facultățile
de teatru din Occident la momentul respectiv.

Importanta limbajului in Opera lui Wilson

Folosindu-și experiența de a lucra cu copii cu dizabilități mintale și recurgând la
colaborarea lui Christopher Knowles, un renumit poet autist, i-a permis lui Wilson
să atace limbajul din mai multe puncte de vedere.
Wilson îmbrățișează acest lucru prin „juxtapunerea nivelurilor de dicție – cum ar fi
poezie de pătuț și țipete pre-verbale”, în încercarea de a-i arăta publicului cât de
evaziv este limbajul și cât de schimbător poate fi acesta. Arătarea vizuală a
cuvintelor este o altă metodă pe care Wilson o folosește pentru a arăta
frumusețea limbajului. Adesea scenografiile, coperțile programelor și afișele sale
sunt graffiti cu cuvinte. Acest lucru permite publicului să privească „limbajul în
sine” mai degrabă decât „obiectele și semnificațiile la care se referă”. Lipsa
limbajului devine la fel esențială pentru opera lui Wilson. În același mod în care un
artist folosește spațiul pozitiv și negativ, Wilson folosește zgomotul și tăcerea.
Celebrul dramaturg din secolul XX Eugène Ionesco a spus că Wilson „l-a depășit pe
Beckett” pentru că „tăcerea [Wilson] este o tăcere care vorbește”. Această tăcere
pe scenă poate fi deranjantă pentru membrii publicului, dar servește scopului de
a arăta cât de important este limbajul prin absența sa.

Ca dansator, el vede importanța modului în care un actor se mișcă pe scenă și

cunoaște greutatea pe care o suportă mișcarea. În audițiile sale, „Wilson face
adesea o secvență de mișcare elaborată” și „îi cere actorului să o repete”.
Scopul miscarii in piesele sale este de a face ca ritmul textului să difere de cel al
mișcării, astfel încât publicul său să le poată vedea ca două piese complet diferite,
văzând fiecare ca ceea ce este. Știu că este iad să separi textul și mișcarea și să
menții două ritmuri diferite. Este nevoie de timp pentru a te antrena pentru a
menține limba și corpul lucrând unul împotriva celuilalt. Dar cu corpul se întâmplă
lucruri care nu au nicio legătură cu ceea ce spunem noi. Este mai interesant dacă
mintea și corpul se află în două locuri diferite, ocupând zone diferite ale realității.
În producția sa de Medea, Wilson a aranjat o scenă în care cântăreața solistă a
rămas nemișcată pe tot parcursul piesei sale, în timp ce mulți alții s-au mutat în
jurul ei. I-am spus dacă știe să stea în picioare, toată lumea o va urmări. I-am spus
să stea ca o statuie de marmură a unei zeițe care stătea în același loc de o mie de
ani ".

Wilson consideră că „cea mai importantă parte a teatrului” este lumina. El simte
că designul iluminatului poate aduce cu adevărat viața producției. El explică:
"Dacă știi să luminezi, poți face ca rahatul să arate ca aurul. Pictez, construiesc,
compun cu lumină. Lumina este o baghetă magică". Wilson este „singurul regizor
major care a primit facturi ca proiectant de iluminat” și este recunoscut de unii
drept „cel mai mare artist de lumină al timpului nostru” ; iluminatul său este „ca o
muzică”. El este un perfecționist, persistând să realizeze fiecare aspect al viziunii
sale. Un monolog de cincisprezece minute în Quartett a durat două zile pentru ca
acesta să se lumineze, în timp ce un singur gest de mână a durat aproape trei ore.
Această atenție la detalii își exprimă convingerea că „lumina este cel mai
important actor de pe scenă.

Wilson este cunoscut pentru pasiunea sa pentru scaune: nu numai că le creează,

ci le colectează. De fiecare dată, Robert dezvoltă el însuși piese de mobilier pentru
spectacolele sale: acestea sunt întotdeauna variații speciale pe tema
constructivismului. Cu toate acestea, tendința constructivistă a lui Wilson
primește o dezvoltare neobișnuită. El elimină funcționalitatea din ideologia
constructivismului, lăsând o formă pură sau chiar adăugând un detaliu cel mai
nepotrivit unui obiect rațional - de exemplu, laba unui animal cu copite sau a unui
trunchi de bambus ca al patrulea picior al unui scaun.

Principalele componente ale unei acțiuni teatrale de succes conform metodei

Robert Wilson:
1.Limba și cuvintele nu contează. Mult mai important este tăcerea, care este
ruptă de zgomot, urmată de tăcerea din nou. Jocul contrastelor în percepția
sunetelor lasă o impresie cu adevărat de neuitat a piesei.
2. Accent pe diferența dintre percepția vizuală a acțiunii pe scenă și cea sonoră.
Ceea ce aude spectatorul ar trebui să fie completat armonios de ceea ce vede, dar
în niciun caz repetat.

3.Mișcarea este un dans care curge, o poveste coregrafică care umple piesa cu
propriul său sens. Mișcările asociate cu sunetul creează un anumit ritm inerent
doar acestei interpretări.

4.Joacă cu lumină și umbră. Criticii care au urmărit producțiile lui Wilson scriu că
el, ca un artist, pictează imagini. Pânza este înlocuită de o scenă, iar vopselele
sunt înlocuite de lumină.

Robert Wilson este regizor, unul dintre reprezentanții remarcabili ai avangardei

teatrale, un sculptor talentat, scenarist și artist foto. Mobilierul pe care l-a creat,
instalații incredibile, desene au fost prezentate în mod repetat în galerii și muzee
de artă din Londra, Tokyo, Roma la 133 de expoziții, provocând o furtună de
încântare. La Moscova a fost prezentată o expoziție de lucrări fotografice cu
denumirea „Oameni vii”, care înfățișau vedete. Unul dintre cei mai mari oameni
creativi ai secolului XX, a cărui contribuție la artă este o moștenire valoroasă
pentru generațiile viitoare. Iar abordarea sa originală a dramaturgiei va deveni un
exemplu de neegalat pentru regizorii și regizorii aspiranți.